the besta of cinema

The Sting

2010-01-17T16:58:00.000Z

The Sting mostra a história de Johnny Hooker (Robert Redford), um vigarista que perde o seu "sócio" e mentor, logo no inicio da história, assassinado a mando de Doyle Lonnegan (Robert Shaw) - um poderoso que vive do dinheiro de apostas.
Ele foge e vai ter com Henry Gondorff (Paul Newman), um amigo comum do seu "sócio", para se vingar da morte deste. É aí que tudo é organizado.Todos os vigaristas (os melhores) se unem para o maior golpe de sempre contra Lonnegan.
Newman e Redford são vigaristas de categoria e sem tecnologia - daqueles de bairro, como os de Woody Allen - sempre a alternar entre o fundo de uma garrafa e o ar polido dos cavalheiros. Acompanhamos esse processo inteligente e divertido, de gente pouco séria mas com escrúpulos, que só mete a mão na massa do cifrão. Há muito teatro dentro deste filme, muita encenação, e um dos melhores arranques de que há memória no cinema.

O filme, realizado por George Roy Hill, Ganhou 7 Óscares, nas seguintes categorias, Melhor Filme, Tony Bill, Michael Phillips e Julia Phillips; Melhor Realizador, George Roy Hill; Melhor Direcção Artística, Henry Bumstead e James W. Payne; Melhor Figurino, Edith Head; Melhor Montagem, William Reynolds; Melhor Banda Sonora, Marvin Hamlisch e Melhor Argumento Original, David S. Ward. Foi ainda nomeado nas seguintes categorias, Melhor Actor, Robert Redford; Melhor Fotografia, Robert Surtees e Melhor Som, Ronald Pierce e Robert R. Bertrand.
Recebeu uma nomeação ao Globo de Ouro, na categoria de Melhor Argumento Original.

Låt den rätte komma in

2010-01-16T19:15:00.003Z

Låt den rätte komma in não é mais um filme de Vampiros. Este filme não é mais um filme sobre essa raça de sugadores de sangue. E apesar do actor principal, Oskar, ter 12 anos e existirem algumas cenas passadas na sua escola secundária, de forma alguma se deve pensar que possa existir alguma semelhança com coisas tipo “Crepúsculo”, onde a história, mais parece um episódio do “Beverly Hills, 90210”. Os Vampiros não são estupidamente belos, não andam na escola, precisam de beber sangue humano e sobretudo, não toleram a luz do sol.

Eli, a vizinha vampira de Oskar, fica com um ar doente quando já não consegue aguentar a falta da dose de sangue. Na carência de sangue, ela emite um som forte das entranhas, como se fosse um animal selvagem esfomeado. Se fosse exposta à luz do sol, iria desaparecer numa enorme combustão espontânea, tal e qual como sempre vimos acontecer nos Vampiros à moda antiga. Tem uma força física sobrenatural, é capaz de escalar paredes e não exibe caninos prontos a furar um pescoço desprevenido que encontre pelo caminho.

Eli chegou acompanhada de um homem. Ele era responsável por matar outras pessoas para obter sangue para a alimentar, evitando que ela tivesse de sair de casa para satisfazer essa necessidade vital à sua existência. Ele tinha uma maleta onde carregava todos os artefactos para matar e recolher o sangue das vítimas. E quando o vemos a preparar-se para sair para mais uma matança, até julgamos que estamos na presença de um “Dexter”, um assassino frio e incrivelmente meticuloso. A única semelhança talvez fosse na frieza com que matava, porque no resto, o tipo era uma nódoa. Custa a acreditar que ele já pudesse ter realizado essa operação com sucesso no passado. Da primeira vez, ele pendura a vítima num sítio tão iluminado como um estádio de futebol, num local que até se via de uma estrada próxima, onde passavam muitos carros. Da segunda, ele decide fazer a sangria, ignorando o facto da vítima ser aguardada por uns amigos no exterior do ginásio. Mas até estes pormenores devem ser enquadrados na forma natural e realista com que todas as cenas nos são mostradas. “Dexter” há só um. Ali, existe apenas um assassino imperfeito, que matava para alimentar quem ele mais amava, alguém por quem seria capaz de dar a vida sem hesitações.

O filme è uma interessante variação sobre o mais que explorado tema do vampirismo. Aterrorizado por valentões da escola, um solitário garoto de 12 anos, Oskar, se torna amigo de uma jovem e misteriosa vizinha, cuja chegada coincide com uma série de horríveis mortes e ataques. Mesmo descobrindo que ela é uma vampira, sua amizade com a estranha se torna maior do que o medo.

Otac na sluzbenom putu

2008-10-08T12:16:00.003+01:00

Otac na sluzbenom putu foi a segunda longa-metragem de Emir Kusturica para o cinema, essa reconstrução dos tempestuosos anos 50 na Jugoslávia recebeu a Palma de Ouro no Festival de Cannes em 1985.

A historia do filme centra se nos anos de 50, na Jugoslávia, onde Mehmed Mesa Zolj (Miki Manojlovic) pai de família desaparece devido a um jogo de intrigas que acaba por o levarem preso, vítima de um tempo em que a Jugoslávia resistindo ao dogmatismo Estalinista.

Para o filho pequeno Malik (Moreno D'E Bartolli) é lhe dito que o seu pai está numa viagem a negócios. A criança passa sua vida acreditando na história, sempre à espera do retorno do pai, mas o tempo vai lhe ensinando os desafios da vida.

Através da visão e consciência de um menino de 6 anos e o seu mundo emotivo retratam-se os tempestuosos anos 50. O tempo em que vive este pequeno herói não é propício para ele e nem para seu pai onde o sonho do menino é uma viagem ao espaço, muito longe da sua triste realidade terrena.

Premiado com a Palma de Ouro no Festival de Cannes e indicado para o Óscar de filme estrangeiro

Foi este o filme que lançou a carreira de Emir Kusturica e o tornou num dos melhores cineastas de todo o mundo fazendo filmes onde retratam as suas origens sempre com a sua visão inconfundível.

Sideways

2008-10-02T17:57:00.003+01:00

Sideways é um filme realizado por Alexander Payne, que conta-nos a viagem de dois velhos amigos pela Costa da Califórnia. Mudando vertiginosamente de rumo, transforma-se numa perversa exploração das vicissitudes do amor e amizade, da odiosa solidão, dos sonhos e da contínua guerra entre as castas Pinot e Cabernet.

Miles (Paul Giamatti) é um professor de inglês, apreciador de vinhos, divorciado, que espera a qualquer momento a sua oportunidade de editar um livro. O melhor amigo de Miles, Jack (Thomas Haden Church) é um actor reduzido a fazer voz-off em anúncios, e está prestes a casar.
Para celebrar essa última semana de liberdade, Miles leva Jack numa viagem pela região vinícola da Califórnia. Mas Jack está mais interessado nos prazeres da carne que nos da bebida e nesta viagem conhece Stephanie (Sandra Oh), com quem inicia uma atribulada relação. Miles, por sua vez, ainda emocionalmente preso à sua ex-mulher, vê a possibilidade de retornar à superfície com Maya (Virginia Madsen), especialmente seduzido pela forma como ela aprecia e entende o vinho.

Sideways é um road movie que marca o ritual da passagem à idade adulta, entendida como a altura em que aprendemos a enfrentar os nossos medos, a aceitarmos os outros e a nós mesmos, e em que descobrimos o que queremos da vida. Como um vinho que atinge a maturidade, é na meia-idade que estamos prontos a ser abertos e bebidos. Ou melhor, a abrir mo-nos e a beber a vida.
Enquanto Jack só se quer divertir, como um adolescente irresponsável que foge o mais que pode ao peso de ser adulto, Miles sente-se impotente para o fazer, controlando pequenas coisas ao seu redor para se sentir seguro. Jack chega ao final desta viagem um pouco mais crescido e Miles um pouco mais livre.

Paul Giamatti é um perito na transposição da dor, seja ela dramática ou cómica.

Por outro lado, o argumento de Alexander Payne e Jim Taylor tem o mérito de nunca nos fazer desprezar estas personagens cheias de falhas. Conseguimos mesmo alguma empatia por estes dois homens honestos, que, sem se entenderem, se aceitam. E essa aceitação é, com efeito, a base da verdadeira amizade.

Sideways flui com os desejos e necessidades das personagens, sem querer provar nada, sem querer confrontá-los com os seus erros ou redimi-los dos mesmos. Este filme tocará quem já se tenha sentido frustrado ou olhado o largo abismo entre a montanha das suas ambições e o fundo vale da sua realidade.
Sem grande acção, a mensagem perde-se algures entre as belíssimas paisagens e a conversa sobre vinhos, tão detalhada que quase os conseguimos cheirar e saborear.

Big Fish

2008-09-28T20:57:00.004+01:00

A luta entre a verdade e a mentira, entre a realidade e a ficção, encontra neste filme a sua mais apaziguadora trégua. Só Tim Burton conseguiria tornar credível o inverosímil, lidando com a fantasia como se esta fosse parte integrante do nosso quotidiano.

William (Billy Crudup) cresceu no meio de uma bruma de histórias fantasiosas e plenas de personagens ficcionais com que o pai (Albert Finney) lhe dava a conhecer a sua vida, como se de uma longa aventura se tratasse. Quando, na adolescência, descobriu que nada daquilo poderia ter alguma vez existido, abre-se um fosso de incompreensão entre os dois. Mas haverá tempo para estreitar esse fosso? Para conseguir perceber essa personagem que foi o seu pai, agora que o seu tempo de vida corre para o final?

Que coisas inventamos para que gostem de nós? Que mentiras dizemos para fazer os outros felizes? E se até a realidade conseguisse surpreender-nos ao ponto de acharmos que estamos a viver um sonho?
Ao contarmos uma história enfatizamos sempre os acontecimentos que são mais relevantes para nós, carregando de adjectivos e metáforas todas as imagens que possam reforçar as nossas emoções. Enquanto isso os momentos negligenciáveis passam a correr, ou são mesmo cortados na censura da nossa memória. E Tim Burton é, de facto, um contador de histórias, defensor dos incompreendidos, e neste filme traz-nos aqui Edward Bloom, o último sonhador.
Neste papel, o desarmante Albert Finney partilha o seu desempenho quando jovem com Ewan McGregor. Os cenários teatrais e technicolor são ainda divididos com a lindíssima Jessica Lange, reproduzida por Alison Lohman, Danny DeVito, Steve Buscemi, e, num papel feito à sua medida, Matthew McGrory desfila os seus 2,40 metros de altura.

O título do filme vem de uma pequena história, segundo o qual o peixe dourado, pequeno como é normal vê-lo no aquário, poderia crescer até quatro vezes o seu tamanho se deixado em liberdade. Edward Bloom é esse peixe, que deixa a sua pequena cidade e sai pelo mundo, para poder crescer. Mas Tim Burton faz com que esse peixe sejamos também nós, e, através da poderosa arma da imaginação, liberta-nos da pequenez da nossa realidade, dando-nos a oportunidade de crescer nesse imendo oceano que é a fantasia.

Apesar de não contar com personagens de contornos "negros", "Big Fish" tem personagens igualmente memoráveis, e é realmente um filme encantador.

Através de pequenos contos repletos de magia, Burton vai-nos dando pequenas lições deliciosas e plenas em sabedoria sobre a Vida, que no seu conjunto formam um filme, grandioso como o mistério que é, o sentido da existência.

A coisa que mais aprecio no Cinema é o o facto de, através desta arte, um bom contador de histórias conseguir fazer-nos chorar, sorrir e emocionar. Os filmes que realmente significam alguma coisa, mesmo que seja uma mensagem diferente consoante a pessoa, são histórias que nos modificam enquanto pessoas, que modificam a nossa forma de ver o mundo em nosso redor. O Cinema que nos faz querer olhar todos os que conhecemos, e o que nos rodeia com outros olhos.
Obras, como Big Fish.

Easy Rider

2008-09-23T19:38:00.002+01:00

Easy Rider foi realizado em 1969 e foi escrito e protagonizado por Peter Fonda e Dennis Hopper. Este é um filme de aventura onde dois motards viajam de Los Angeles até Nova Orleães para fazerem uma transacção de droga.

Dois homens viajam, de mota e sem rumo definido, em busca da América dos seus sonhos, sempre sob efeito inebriante de drogas. Buscam a liberdade nos loucos anos sessenta.

È esta a premissa de um filme que para além de ter revelado ao mundo cinematográfico os rebeldes Peter Fonda e Dennis Hopper, é um documento histórico sobre a década de 60 americana. Easy Rider contém também uma das mais memoráveis interpretações de Jack Nicholson, nomeado inclusive para a categoria de melhor actor secundário.

Easy Rider é um road movie de baixo orçamento, que tenta descrever o ambiente de liberdade, sexo, drogas e Rock ‘N Roll, da comunidade Hippie norte-americana dos anos sessenta. Os dois protagonistas seguem viagem por uma América livre, deparando-se com uma série de personagens reais mas bizarros, sempre sob o efeito de droga, espelhando a revolução moral emergente na altura. Destaque para a bela fotografia de Laszlo Kovacs que capta fotogramas marcantes durante o percurso dos dois homens.

Como objecto cinematográfico, Easy Rider não é nenhuma obra-prima. È um filme que se limita a seguir a viagem destes dois homens, enquanto fumam doses massivas de droga e procuram… a sua América. Mas por outro lado é um poderoso indicativo daquilo que ia na mente de milhões de pessoas na América, pois o que hoje em dia é relativamente vulgar (sexo mais ou menos explícito, drogas), na altura foi um enorme choque e isso é bem frisado em Easy Rider sobretudo na parte final, trágica e dramática.

Realizado pelo novato Dennis Hopper, Easy Rider sofreu alguns sobressaltos. Dennis Hopper e Peter Fonda entraram muitas vezes em conflito por diferenças de opinião e choques de ego, o argumentista Terry Southern queixou-se que o argumento que delineou foi muitas vezes desvirtuado e até ultrapassado na montagem final e muitas das cenas foram filmadas de improviso e quase sem meios.

Mesmo assim, Easy Rider foi recebido com uma ovação de pé no festival de Cannes de 1969 e Dennis Hopper foi considerado o realizador revelação do festival. Para além da nomeação de Jack Nicholson para melhor actor secundário, também a categoria de melhor argumento original foi indicada para nomeação pelos Óscares de Hollywood. Apesar de não ter sido um sucesso de público e das suas imperfeições, Easy Rider marcou não só uma época, como revolucionou o cinema americano, sendo um objecto incontornável da sétima arte.

A banda sonora fez bastante sucesso no fim dos anos 60 e inicio dos 70 e é totalmente composta por músicas Rock. Born To Be Wild é a principal canção do filme, sendo interpretada pela banda Steppenwolf.

Full Metal Jacket

2008-09-22T18:05:00.003+01:00

Full Metal Jacket é considerado um dos melhores filmes de guerra de todos os tempos. O contador de histórias Stanley Kubrick dá vida ao livro de Gustav Hasford pondo a guerra do Vietname a nu, retratando, tal como outros realizadores já o haviam feito, as atrocidades e a enorme carga emotiva que uma guerra sempre acata.

Da recruta em Paris Island ao campo de batalha em pleno Vietname, este é o percurso de Full Metal Jacket, que Stanley Kubrick realizou em 1986.

O filme surge claramente dividido em duas partes distintas. A primeira, em plena recruta, onde os jovens alistados são treinados para matar pelo cruel e lunático sargento Hartman (R. Lee Ermey) e uma segunda parte já situada no Vietname. Nestas duas partes há também duas abordagens distintas que se prendem basicamente com a tomada do ponto de vista. Na primeira parte, Stanley Kubrick aborda os recrutas como um único corpo às ordens do sargento e, desde a primeira sequência em que os jovens surgem no ritual de corte de cabelo, são tratados como um colectivo, indistinguíveis que, aos poucos, vão sendo revelados e apresentados ao espectador. E aí o protagonismo recai mais sobre o sargento e sobre o recruta Gomer Pyle (Vincent D'Onofrio), ainda que abrindo caminho a um certo olhar do recruta Joker (Matthew Modine), que nos narra a história desde o início e que será então o guia para a segunda parte do filme.

Aí, é o seu olhar que nos conduz ao longo dos diversos cenários que percorre enquanto repórter de guerra. E será a partir desse momento que temos uma visão mais pessoal do conflito e da forma como este afecta a mente e os valores morais de um jovem em combate. O jovem que ao mesmo tempo tem no capacete a inscrição born to kill (nascido para matar) e alberga no uniforme o símbolo da paz. Mas o cinema de Stanley Kubrick sempre foi demasiado irónico para parecer assim tão simples e mesmo essa dualidade é tratada com grande dose de sarcasmo puro e duro, fazendo dessa confusão aparente do protagonista um espelho para todo o conflito em si.

É já mais do que conhecido o perfeccionismo do realizador em todas as obras que assinou e pode dizer-se seguramente que Full Metal Jacket funciona como um excelente exemplo desse lado metódico de Stanley Kubrick. Mas também é verdade que o filme não consegue situar-se ao nível de outras obras-primas do realizador, sendo incapaz de conseguir o equilíbrio entre as suas duas partes. E a verdade é que a primeira funciona de forma bastante mais eficaz, especialmente porque a ela se adequa de forma mais eficaz o tratamento irónico que carrega todo o filme.

Quando se dirige para o campo de batalha, o filme perde alguma da sua intensidade dramática, porque Stanley Kubrick nunca deixa que seja a personagem a tomar completamente conta da situação, não resistindo por vezes a maniquear a história de forma a que a sua visão política afecte a narrativa quando não deve. Ou, por outras palavras, em vez de deixar as imagens por elas próprias transmitirem o lado estúpido e, se quisermos, interesseiro desta guerra, acaba por colocar em algumas personagens discursos demasiado claros e unidireccionais que nem sempre funcionam da melhor forma.

Por outro lado, convém não esquecer que estamos a falar de um filme de Stanley Kubrick, um dos maiores realizadores que jamais pisaram este planeta. E isso significa desde logo algumas imagens estupidamente geniais e sequências excepcionais de cinema, aqui ao serviço do “filme de guerra”. E temos também uma das melhores bandas sonoras de que me lembro de ver num filme, desde a hilariante “Hello Vietnam” que acompanha os créditos iniciais (e que por si só nos avisa desde logo que o olhar do filme sobre a guerra vai estar carregado de ironia) à genial “Paint It Black”, dos Rolling Stones nos créditos finais, passando entretanto por uma bem sucedida selecção de canções e ainda uma partitura impecável de “Abigail Mead”.

Full Metal Jacket conquistou os espectadores mostrando que a mestria de Stanley Kubrick ainda não estava esgotada, tentando levar aos ecrãs o máximo de realismo possível, ao contrário de outros filmes do género. Um filme anti-guerra que continua actual, a fazer questionar a necessidade de uma guerra que não é nossa.

The Godfather

2008-09-15T11:09:00.003+01:00

A Épica Obra-Prima de Francis Ford Coppola, apresenta Marlon Brando no papel que lhe valeu o Oscar de melhor actor em 1972, como patriarca da família Corleone.

"I believe in America. America’s made my fortune". E é assim, com esta voz meio sussurrada meio gritada vinda das profundezas do ecrã, que começa uma das mais fascinantes sagas do Cinema. Depois, aos poucos, apercebemos que a câmara está a recuar lentamente, sempre esteve. O rosto de quem fala emerge desse negrume inicial e, em tom humilde, vai contando uma história de fé e descrença na democracia e na justiça. Majestoso, este travelling para trás demora três longos minutos, até revelar outro vulto, o de quem escuta, dedo na cabeça, em pose de infinita paciência. A voz esvai-se, a câmara pára. Pausa. Seco e cortante, o vulto interroga o homem sobre as suas intenções. Este levanta-se, contorna a secretária e segreda qualquer coisa ao outro. Pausa, um corte no plano, contra-campo e eis, Don Corleone, isto é “o padrinho”, isto é Marlon Brando, a afastar qualquer esperança de ajuda apenas com um simples gesto de dedos a coçar levemente a cara. Porque ele é a Família e a Família é sagrada e o homem ignorou-a sempre, até não ter para onde se voltar. Porque ele é o Poder e o Poder trata-se com respeito e absoluta reverência não de mão estendida como um vulgar pedinte. E pronto, está dado o mote para um dos projectos mais operáticos da história do Cinema. Porque quem pensa que “O padrinho” é um filme de gangsters engana-se redondamente. Não é! É uma sinfonia em três andamentos sobre o Poder, os seus corredores e vielas escuras, a sua infinita solidão.

Francis Ford Coppola mostra-nos um frio retrato da ascensão e queda do clã Siciliano e do poder na América, equilibrando majestosamente a história entre a vida da família Corleone e os negócios criminosos em que estão envolvidos. Baseado no romance de Mario Puzo e apresentando brilhantes interpretações de Al Pacino que encarna a personagem de Michael Corleone, James Caan que encarna a personagem de Santino Corleone e Robert Duvall que interpreta a personagem de Tom Hagen, este marcante e excepcional filme, obteve dez nomeações para os Prémios da Academia em 1972, vencendo três deles incluindo o de Melhor Filme.

Marlon Brando, que ganhou o Óscar pela sua interpretação como Don Vito Corleone, recusou-se a receber a estatueta em protesto pela discriminação feita pelo governo e por Hollywood aos índios americanos. Além de não comparecer à cerimónia, Marlon Brando mandou no seu lugar uma actriz que se fez passar por uma índia americana, de nome Sacheen Littlefeather.

The Godfather é simplesmente um dos melhores filmes alguma vez feito com interpretações fantásticas dum grande elenco de actores e uma historia absolutamente genial.

Chinatown

2008-09-12T12:04:00.002+01:00

Um marco na tradição do film-noir, Chinatown, realizado por Roman Polanski em 1974, é um verdadeiro clássico das telas e uma das obras maiores de Roman Polanski, tendo como Jack Nicholson protagonista e uma das suas mais célebres frases “I goddamn near lost my nose. And I like it. I Like breathing through it.”

Jack Nicholson é o detetive Jacke Gittes, sobrevivendo no clima ensolarado e de moral obscura, na Califórnia do período anterior à guerra é contratado por uma mulher para saber se o seu marido, o importante engenheiro chefe do Departamento de Águas e Energias do local, tem um caso.

Gittes faz o seu serviço, mas quando a real Evelyn Mulwray (Faye Dunaway) aparece em seu escritório, ele descobre que havia sido enganado por uma farsante. Tudo piora para Gittes quando o marido de Evelyn aparece morto no reservatório e Noah Cross (John Huston), pai de Evelyn, um dos homens mais poderosos, parece ter interesses bastante gananciosos no negócio em questão.

Gittes vê-se enrolado num furacão de situações dúbias e tradições mortais, desvendando uma teia de escândalos políticos e pessoais, que se chocam numa única e inesquecível noite em Chinatown.

Co-estrelado pelo lendário John Huston e premiado pela Academia, Chinatown retrata uma época perdida, um magistral filme que perdura no tempo como uma jóia preciosa.

Ficaram famosas as brigas entre o director e a estrela no set deste filme noir que tem crescido de prestígio nos últimos anos. Faye Dunaway não aprovava os métodos grosseiros de Roman Polanski, e ele reclamava dela por causa dos atrasos da maquilhagem e mudanças no diálogo.

Recusando a facilidade, Roman Polanski fez um filme longo, complicado, com uma história cheia de meandros e reviravoltas que nem sempre o público é capaz de acompanhar. Aliás, exactamente como deve ser um autêntico filme noir.

Este foi o filme que consagrou definitivamente Jack Nicholson e trouxe outro belo trabalho de Faye Dunaway, superando uma maquilhagem ingrata e uma personagem difícil. Ao ver o filme, o publico sente exactamente a emoção de se perder um amor, seja aqui ou em Chinatown.

Blade Runner

2008-09-02T22:04:00.002+01:00

Rick Deckard (Harrison Ford) é um Blade Runner, nome dado a uma unidade especial da polícia, no ano de 2019, especializada na captura ou na destruição dos replicantes (andróides tão aperfeiçoados que não apenas se parecem com os seres humanos como também tem sentimentos, sangram e, em alguns casos, tem memórias implantadas para que possam ter uma história de vida).

Inactivo e, pouco disposto a sair dessa condição, Deckard é obrigado a voltar ao trabalho em virtude da fuga de modelos Nexus (os mais avançados entre os replicantes) de uma colónia de trabalho em outro planeta. Esses replicantes destacam se pela sua grande força, a sua notável habilidade e mobilidade e pelas suas personalidades marcantes. Além de tudo isso, são ainda muito inteligentes.

Como todo o detective que se preze, Deckard inicia suas investigações pela corporação Tyrell, onde foram fabricados os replicantes. Descobre que há uma replicante trabalhando directamente para o dono da empresa. Trata-se de Rachael (Sean Young), em cuja memória foram implantadas as lembranças de uma falecida sobrinha de Tyrell.

O problema do detective, no entanto, são os outros replicantes, que soltos na grande metrópole constituem um perigo eminente de violência e mortes. O que torna ainda pior a história é que eles estão atrás de uma solução para o seu mais grave dilema, ou seja, o curto tempo de vida de que dispõe pois estão programados para viver somente quatro anos. Para resolver essa situação, não colocam empecilhos para sua acção

Com uma interpretação incrível de Harrison Ford, que o catapultou para o estrelato, Blade Runner consegue ser perfeito a todos os níveis. A banda sonora com os Vangelis que merece todos os elogios, assim como todo o seu elenco e o seu grande realizador Ridley Scott.

Blade Runner não é aquele filme de ficção científica a que estamos habituados, é algo diferente, mais profundo, conseguindo um excelente retrato do próprio ser humano, colocando questões que no fundo, todos colocamos: De onde vim? Quem sou? Porque é que estou aqui?

Mystic River

2008-09-01T16:01:00.003+01:00

Em 2001 o escritor Denis Lehane publicou Mystic River, um best-seller que Clint Eastwood leu e de imediato se interessou pela história. Poucos anos depois chegou às salas de cinema a adaptação cinematográfica de Clint Eastwood, que conta com um elenco de luxo, destacando-se as interpretações marcantes dos três protagonistas: Sean Penn, Tim Robbins e Kevin Bacon. Interpretações essas que valeram a Sean Penn o Óscar de Melhor Actor e a Tim Robbins o Óscar de Melhor Actor Secundário.

A história tem lugar num típico bairro americano, situado na margem do rio Mystic em Boston, três rapazes: Jimmy (Sean Penn), Sean (Kevin Bacon) e Dave (Tim Robbins) jogam basebol. Após terem perdido mais uma bola, resolvem escrever os seus nomes numa parte da rua que estava a ser cimentada. Entretanto aparece um carro e eles são abordados por um homem que se apresenta como polícia e, depois de repreender os rapazes pelo estrago que tinham feito, obriga Dave a entrar no carro.

A narrativa dá um pulo de vinte e cinco anos. Adultos e separados pelo trágico acontecimento que lhes enegreceu a infância, os três antigos amigos voltam a encontrar-se devido ao assassínio de Katie (Emmy Rossum) a filha mais velha de Jimmy. O caso é entregue a Sean, agora polícia, e ao Sargento Powers, seu companheiro de investigação. Apesar do esforço e empenho de Sean, Jimmy decide investigar pelos seus próprios meios para poder vingar-se do assassino da sua filha com as suas próprias mãos. Já Dave, que vive diariamente atormentado pelos abusos sexuais que sofreu na infância, reaproxima-se de Jimmy devido ao parentesco que une as respectivas mulheres: Celeste (Marcia Gay Harden) e Annabeth (Laura Linney).

Um filme sobre amizade e vingança em que o realizador explora as consequências de uma ferida aberta na sociedade americana: a pedofilia, uma vergonha nacional que parece propositadamente abafada por outras realidades do país através dos media e provavelmente por mais altos poderes. Com as diferentes formas de investigação de Sean e Jimmy para encontrarem o assassino, Clint Eastwood poderia ter transformado o filme num simples policial, no entanto resolveu acrescentar-lhe uma temática mais dramática e moralista. Mystic River faz-nos sentir o clima de melancolia e até o pessimismo que corroem a vida das pessoas num tempo e num espaço desprovidos de valores morais, em que tudo pode acontecer.

Clint Eastwood juntou num filme cruel mas real, sobre uma face obscura da América, um elenco de sonho. Sean Penn, Tim Robbins, Kevin Bacon, Marcia Gay Harden, Laura Linney e Laurence Fishburne são os protagonistas de Mystic River.

O último dos clássicos, como já foi Clint Eastwood chamado vezes sem conta, deixa bem patente a sua marca neste excelente filme. Mystic River é um filme sóbrio. Não tem artificialismos, não tem virtualidade, não tem montagens. É um filme real, sobre uma história real. Uma história feita de dor e culpa. A culpa de dois rapazes que não puderam evitar que o seu amigo perdesse a inocência da juventude. Dor de um jovem que foi violado vezes sem conta. Mas também dor de um pai que perdeu a filha que mais amava. E porque não, dor de um homem que esteve perto de perder a mulher da sua vida.

Uma realização notável, uma interpretação fabulosa por parte de todo o elenco, um argumento muito bem construído, que nos prende ao ecrã até ao delicioso plano final. Enfim, um grande filme que nos é oferecido por Clint Eastwood.

Pulp Fiction

2008-08-31T20:34:00.002+01:00

Quentin Tarantino dirige esta homenagem à literatura pulp dos anos 40, contando uma história que envolve um gângster, um boxeador e dois assassinos profissionais.

Pulp Fiction retrata três histórias interligadas que são apresentadas de forma não cronológica. Numa, conhecemos Vincent Vega (John Travolta) e Jules Winnfield (Samuel L. Jackson), dois mafiosos que vão cobrar dinheiro.

Noutra história, Vincent tem que levar a mulher do seu patrão (Uma Thurman) para se divertir enquanto ele viaja, mesmo com todos os boatos que rodeiam o caso.

Por último, conhecemos Butch Coolidge (Bruce Willis), um lutador que deve lutar num combate com um vencedor já definido.

Todas estas histórias têm algo em comum, falam todas de um mundo de crime, sexo, violência e drogas. Resumindo, estão garantidas mais de duas horas de pura diversão com o humor negro que só um génio como Quentin Tarantino sabe oferecer. E como já é habitual no realizador, o filme não segue um fio cronológico linear. Opta em vez disso por contar as histórias sem um tempo de base definido, mas no entanto, nunca nos sentimos perdidos, pois no final tudo se encaixa perfeitamente bem. Isto deve-se aos pequenos detalhes que surgem numa cena e que parecem não ter importância, mas que são explicados mais á frente.

Além dos detalhes e do modo como a história é contada, outro aspecto que chama a atenção no argumento de Pulp Fiction é o modo como Quentin Tarantino trata assuntos delicados de maneira tão singular e peculiar. Os diálogos são fortes, extremamente bem desenvolvidos e na maioria das vezes apresentam um humor negro que noutros filmes não têm piada. Mas aqui tudo parece tão natural, que consegue proporcionar uma visão única do dia-a-dia das personagens e dos assuntos abordados.

Outra marca inesquecível é a trilha sonora, escolhida a dedo por Quentin Tarantino, facto constante em todos os seus filmes, que dá classe às cenas e aos momentos do roteiro e que possui clássicos como Chuck Berry e Ricky Nelson; surf music de alta qualidade com Dick Dale & His Del-Tones, The Tornadoes, The Revels, The Centurions e The Lively Ones; além, é claro, da gravação das falas de cenas marcantes do filme como a leitura de uma passagem bíblica por Samuel L. Jackson.

O elenco é de luxo: desde a grande interpretação de John Travolta, passando por Samuel L. Jackson, Christopher Walken, Bruce Willis, Uma Thurman, a portuguesa Maria de Medeiros, até ao pequeno papel de Quentin Tarantino. Todos eles estiveram tão bem nos seus papéis que é complicado destacar apenas um. Estas interpretações de qualidade devem-se precisamente ao argumento e originaram momentos únicos, tensos, divertidos e memoráveis da história do cinema.

Todo o mérito do sucesso de Pulp Fiction é de Quentin Tarantino. Gastou apenas 8 milhões para fazer um dos melhores filmes de sempre e facturou mais de 200 em todo o mundo. É um excelente realizador e director de actores e filma como ninguém. Escolheu por diversas vezes cenas longas, mas que nunca se tornam cansativos.

Pulp Fiction é uma obra genial e impossível de definir numa só palavra. Foi igualmente o filme que revolucionou o cinema independente Norte Americano.

Les Triplettes de Belleville

2008-08-31T20:14:00.003+01:00

Les Triplettes de Belleville tem como missão de fazer-nos sorrir em cada um dos seus planos, cheios como telas pintadas, onde nenhum canto do ecrã é deixado em branco. Talvez por isso a ausência de legendas, para que desfrutemos toda a imagem. E também porque a história, apesar de decorrer numa cascata de acções, mantém toda a coerência de um argumento consistente. Segundo o realizador Sylvain Chomet, o objectivo é falar através da animação propriamente dita, deixando margem para a interpretação que as palavras limitam.

Les Triplettes de Belleville é um filme de animação atípico, longe das convenções narrativas hollywoodescas, tem um humor inteligente, e por vezes negro, que marca todo o filme, realizado em 2003, tendo passado um pouco despercebido pelo grande público, mas não pela crítica.

O filme conta a história de Madame Souza, uma avó de ascendência portuguesa que cria o seu neto Champion, órfão, com toda a dedicação para o ajudar a realizar o seu sonho de ser ciclista. Champion é uma criança triste e a avó faz o possível para vê-lo feliz, oferece-lhe um cão, ao qual é dado o nome de Bruno, mas no fundo ele continua triste. Um dia Madame Souza oferece-lhe um triciclo, o que deixa o neto feliz. A partir daí o tempo da história avança. O cão Bruno, traumatizado desde cachorrinho, passa os dias à janela a ladrar aos comboios que passam mesmo em frente à casa torta e envolta em prédios, Champion já é crescido e Madame Souza é a sua personal-trainer para que consiga participar no Tour de France.

Durante a prova Champion é raptado por homens da máfia francesa que raptavam ciclistas para os obrigarem a pedalar, hipnotizados, em bicicletas que não saem do lugar, pasmados diante duma tela onde passam imagens reais a preto e branco do percurso da prova perante as apostas de muitos mafiosos. Corajosa, Madame Souza aluga uma gaivota e, sempre acompanhada por Bruno, inicia uma das maiores aventuras que já vimos em filmes animados numa cena que cruza a animação tradicional e os efeitos 3D, pedalando atrás do navio e atravessando uma grande tempestade marítima até chegar a Nova Iorque! Lá, Manhattan desaparece para dar lugar a Belleville, uma zona francesa, da grande cidade. Os americanos são comicamente retratados como pessoas bastante obesas devido à sua alimentação sobretudo à base de hamburguers.

Inicialmente Madame Souza perde o rasto dos bandidos, mas mais tarde com a ajuda das irmãs Triplettes excêntricas estrelas do musical dos anos 30, que cantam Swinging Belleville Rendez-Vous o único grande êxito da sua agora decadente carreira, e tema deste filme, inicia uma série de peripécias para salvar o neto.

Longe da tradição Disney e do 3D puro da Pixar, este filme destaca-se por uma desconcertante originalidade. A animação digital focou-se nos carros, bicicletas, barcos e comboios, permitindo concentrar esforços no desenvolvimento das personagens. E ao contrário de animações que tentam atingir a imagem real do cinema, Sylvain Chomet tira o melhor partido da grande vantagem que o desenho tem sobre a imagem filmada, a possibilidade de distorcer a realidade. É através de um traço caricatural que excessos são ampliados e faltas suprimidas.

Este filme é um banquete de pormenores surreais. Champion lembra as figuras esguias e indolentes de Dalí, a sua apatia contrastando com a efusividade e inteligência McGyveresca de Mme.Souza. A própria cidade não escapa à caricatura de uma Nova Iorque em frente a um espelho da feira popular, e a alucinação é ampliada pelo ódio do cão Bruno por comboios e pela impensável dieta das gémeas.

Sylvain Chomet aproveita para fazer um retrato, parcial, mas indiscutivelmente homenageante, do emigrante português, com as típicas referências, talvez incómodas aos mais susceptíveis, mas negligenciáveis perante a dominante força e ternura da personagem de Mme.Souza.

Amores perros

2008-08-31T18:42:00.002+01:00

Amores perros foi uma das obras cinematográficas mexicanas mais elogiadas dos últimos anos.

No ano 2000 o mexicano Alejandro González Iñárritu iniciou a sua carreira com Amores perros muito bem recebido pela crítica e levando alguns prémios em festivais.

Amores perros conta-nos três histórias interligadas por um brutal acidente de carro com que se inicia que desencadeia a narrativa fragmentada de pessoas que não se conhecem mas têm algo em comum.

A primeira história é a de Octávio (Gael García Bernal), que trai o irmão com Susana (Vanessa Bauche), a esposa deste, e tenta convencê-la a fugir com ele. Para isso começa a ganhar dinheiro através de Cofi, um rotweiller que impõe respeito, inscrevendo-o em lutas de cães, nas quais está em jogo muito dinheiro em apostas.

A segunda história é a de Daniel (Álvaro Guerrero) e Valeria (Goya Toledo). Daniel é um homem casado que deixa a mulher e as filhas para viver com Valeria, a modelo do momento. No dia em que celebram os seus primeiros momentos numa nova casa, Valeria sofre um brutal acidente de carro, cujas mazelas comprometem a continuação da sua carreira. O desaparecimento do cão dela através de um buraco no soalho da casa acaba por despoletar sentimentos de frustração já existentes entre o casal que abalam a sua relação amorosa.

A terceira história é a de El Chivo (Emilio Echevarría), um assassino profissional que vive como um vagabundo rodeado de cães e que suporta um passado doloroso no qual uma escolha errada deitou tudo a perder na sua vida. A amargura e os remorsos marcam os seus dias, quando, à distância, observa a filha que deixou quando ela tinha apenas dois anos.

As personagens pertencem a várias classes sociais e categorias e não tem nenhum tipo de ligação entre eles com a excepção da tristeza e dos cães.

A realização Alejandro González Iñárritu é 5 estrelas mesmo com o tom melodramático e mesmo os resultados trágicos de alguns eventos deixam toda gente com um esperança em que como tudo vai ficar bem.

Amores perros é um filme não recomendado a pessoas que adorem os seus animais de estimação. As lutas de cães e o ambiente à sua volta são tão realistas que justificaram um aviso mesmo antes do filme começar, garantindo que nenhum animal foi realmente maltratado no decorrer das filmagens. Esta violência extrema, fruto da desumanidade dos homens, é o que por vezes se sobrepõe às histórias contadas e ameaça dominar o filme.

Premiado em tudo o que é festivais inclusive no festival de Cannes e no Fantasporto em 2001, Amores perros proporciona uma vibrante experiência cinematográfica e comprova a vitalidade do novo cinema mexicano, que tem originado boas surpresas recentemente.

American Beauty

2008-08-28T18:31:00.002+01:00

American Beauty é um drama crítico e sarcástico que invoca e questiona os principais valores e ideais que pautam o dito sonho americano. Na sua estreia como realizador, Sam Mendes apresenta-nos um filme que expõe os sentimentos, as frustrações, a rotina, os valores decadentes das típicas e fragmentadas famílias americanas. Para tal colocou as personagens nos bairros típicos americanos que vemos habitualmente nos filmes ou séries de televisão e que são um símbolo do american way of life: casas perfeitas com o jardim bem cuidado, um interior bem decorado e limpo, e vizinhos simpáticos que oferecem cestos de boas vindas aos novos vizinhos que se acabam de mudar. American Beauty destapa o manto que cobre a vida de aparências que as pessoas desses bairros levam e expõe de forma satírica e humorística as suas verdadeiras crises, problemas e felicidade corroída pelas banalidades, pelo materialismo e pelo preconceito.

O filme centra-se em Lester Burnham (Kevin Spacey), um homem em pela crise de meia-idade que é o líder de uma típica família de classe média americana, que vive num dos magníficos subúrbios de uma grande cidade e que tem como vizinhos pessoas aparentemente normais mas que no fundo guardam, tal como ele, grandes segredos. Ao longo do filme, Burnham terá que lidar com vários problemas, entre os quais, a sua paixão pela melhor amiga da sua filha adolescente Angela (Mena Suvari), a infidelidade da sua mulher Carolyn (Annette Bening), a frustrante rotina do seu dia a dia, a falta de satisfação no seu trabalho, as drogas, os diversos problemas sociais da sua filha Jane (Thora Birch), o relacionamento desta com o problemático rapaz da porta ao lado Ricky (Wes Bentley), a homossexualidade escondida de um dos seus vizinhos, entre outras situações.

Lester Burnham tem tudo menos uma vida de sonho. Carolyn, é totalmente obcecada por atingir o sucesso com o seu negócio imobiliário, e detesta Lester profundamente. O casamento desmorona-se aos poucos, o amor deu lugar à amargura, o respeito deu lugar ao desprezo e a atracção sexual mútua desapareceu. Jane olha-o como um falhado. Ate que um dia Lester cansa-se da sua vida aborrecida e sem o mínimo de emoção e resolve fazer algumas alterações. Para que o patrão não o despeça e ele fique de mãos a abanar, chantageia-o e consegue uma pequena fortuna para satisfazer os seus caprichos, como se tivesse regressado à adolescência. Compra o carro dos seus sonhos, fuma charros e faz exercício físico para chamar a atenção da bela e provocante Ângela, que lhe povoa constantes sonhos eróticos enfeitados com pétalas vermelhas de paixão e sobretudo desejo.

Na casa ao lado chega a família Fitts, também em crise. A atitude ditatorial do pai Frank Fitts (Chris Cooper), um aposentado Coronel dos Marines, violento, patriota inabalável e preconceituoso em relação às opções sexuais, cria em casa um ambiente de quartel militar, faz da sua mulher um ser apático que mal fala e faz do filho Ricky um adolescente com um passado conturbado, que secretamente ganha dinheiro como dealer, e em casa tem de comportar-se como um soldado. Sempre de câmara em punho, Ricky filma tudo o que vê, em busca da verdadeira beleza das coisas, mesmo as mais estranhas. É a personagem mais directamente ligada ao título e à temática do filme. Ao apaixonar-se por Jane, mostra-lhe o seu modo de ver o mundo.

Com um elenco notável American Beauty não é daqueles filmes em que as personagens escondem de nós o seu verdadeiro carácter ou um segredo por desvendar. Isto apesar de serem personagens típicas da sociedade americana: desde a adolescente insatisfeita e tímida e a amiga dela que é linda, extrovertida e gaba-se da atracção sexual que provoca nos homens, ao sentido patriótico orgulhoso de um pai rígido e severo que oprime a mulher e o filho. Sam Mendes apresenta uma história em que as personagens são quase todas como um livro aberto. Têm o que é materialmente preciso para viverem o “sonho americano” e no entanto uma corrente de infelicidade e insatisfação toca a todos. Afinal de que é feita a Beleza Americana? Dos momentos marcantes da vida e das coisas mais banais, tais como o saco e as folhas secas rodopiando e esvoaçando na rua filmados por Ricky?

Casablanca

2008-08-25T12:40:00.002+01:00

Casablanca é o filme mais famoso do Mundo, realizado por Michael Curtiz, com um elenco de actores de luxo que marcaram uma geração tais como Humphrey Bogart, Ingrid Bergman e Paul Henreid, o filme tem um dos raros momentos a nível cinematográfico em que refere a capital portuguesa (Lisboa) como uma esperança livre e difícil de alcançar.

O filme passa-se durante a Segunda Guerra Mundial, com uma Europa muito insegura, são muitos os naturais do “Velho Continente” que, tão esperançosa como desesperadamente almejam embarcar para a liberdade que a América oferece, sendo Lisboa o ponto de embarque. Mas nem todos conseguiam ir para Lisboa directamente. Muitos eram os que, após muito trajecto europeu, iam dar a Casablanca, na Marrocos francesa, onde os afortunados, fosse por dinheiro, influência ou sorte podiam obter vistos para a capital portuguesa e daí para “O Novo Mundo”. Os outros esperavam e esperavam, a ver o que o destino lhes reservava. No meio deste frémito todo, em plena Casablanca, encontra-se o americano Rick Blaine (Humphrey Bogart) dono do mais famoso bar da cidade e é no seu bar que irá encontrar Victor Laszlo (Paul Henreid) no seu momento de glória em que é o líder da Resistência Checa e que dependerá de Rick para abandonar Casablanca e prosseguir a sua luta. Mas, principalmente, quem Rick irá encontrar será Ilsa (Ingrid Bergman) sua ex-amante que lhe destroçou o coração e que agora é companheira de Laszlo. As conturbadas relações que unirão os três serão ponto de foco, mas será o tumultuoso relacionamento entre Rick e Ilsa que irá imperar, justificando assim Casablanca como o mais querido drama romântico que o cinema já deu à luz.

Os diálogos são engenhosos, mas sobretudos incrivelmente apetitosos que em nenhum momento aborrecem-nos, e depois, claro há sempre momentos de grande clímax que se antevêem a uma conjuntura musical ou a uma recordação.

Este foi o filme que lançou Humphrey Bogart não só para o estrela-to hollywoodesco da altura, mas também tornando o seu legado cinematográfico insubstituível, sendo um dos actores mais influenciáveis de sempre, todo o seu glamour masculino e a sua presença forte e sinistra compõem Rick Baine como um ídolo do cinema noir, a sua composição desconfiada e infiel faz com que a sua crença pela humanidade seja um motivo inspirador numa fita carregada de esperança, principalmente tendo em conta o período em que foi filmado e produzido seja em plena Segunda Guerra Mundial.

Quanto á realização de Michael Curtiz, o melhor elogio que se pode dizer é que em momento nenhum o filme aborrece ou transparece pressa e amadorismo, e que nenhum outro filme ganhou o mesmo prestígio e o estatuto de incontornável do que esta pérola chamada Casablanca. Um clássico absoluto do cinema mundial. Exuberante!

Fight Club

2008-08-24T15:34:00.004+01:00

Fight Club é um filme poderoso realizado por David Fincher e com uma dupla de actores fabulosa (Edward Norton e Brad Pitt).

Jack (Edward Norton) vive desesperado por escapar da sua vida monótona e apesar de ter tudo o que quer, tem um grande problema: insónia crónica, que o torna desesperado por escapar à monotonia da sua vida. Uma das críticas do filme, com o humor negro que se verifica ao longo do filme, é às típicas dezenas de grupos de todos os tipos para apoio a doentes: cancro dos testículos, tumores, tuberculose, entre outros, que são retratados com sarcasmo através de Jack e Marla (Helena Bonham Carter). Ambos sabem que não estão doentes, mas acham que precisam de frequentar as sessões dos grupos de apoio e para não se denunciarem um ao outro chegam ao cúmulo de dividir os grupos entre si para não se encontrarem.

Numa das suas muitas viagens de avião, Jack conhece Tyler Durden (Brad Pitt), um vendedor de sabão com uma filosofia de vida que rejeita o consumismo, o materialismo da busca incessante por objectos de que não precisamos e só servem para alimentar ilusões, as rotinas diárias que nos desgastam. Depois do seu apartamento ir literalmente pelos ares, Jack contacta Tyler para lhe pedir se podia ficar em sua casa e daí a criar o Clube de Combate foi um pulo. Começam a lutar num parque de estacionamento de um bar, procurando na violência a sensação máxima para se libertarem das frustrações da vida e testar as suas potencialidades. Alguém os observa e pouco a pouco o clube torna-se bastante famoso e ganha inúmeros membros prontos a lutar por gozo. Tyler explica-lhes que são uma geração nascida a meio da História, trabalhando em postos de gasolina ou atrás de colarinhos brancos atrás de secretárias, não têm nenhuma Guerra Mundial para lutar nem Grande Depressão como a desde 1929, a guerra agora é espiritual e a depressão são as vidas deles.

O final de Fight Club, um filme que questiona de forma tão frontal o espaço social, as ideologias, onde se dá o confronto da imaginação e do real e das certezas e idolatrias dos nossos dias, deixa algo por explicar, algo em aberto.

A Arte não incita violência. A arte não inspira violência. A Arte é o espelho da sociedade. O filme analisa a violência, disseca as raízes da frustração humana. E uma cultura que se negue e condene examinar a violência, é deveras irresponsável, alarmante e aterradora. Tyler anunciava aos restantes membros do clube que a primeira regra do Fight Club era: “You do not talk about Fight Club”, e a segunda era: “You do not talk about Fight Club!”. Esqueçam a inexequível regra, “Fight Club” perdurará indeterminadamente nas bocas cinéfilas.

The Great Dictator

2008-07-28T09:36:00.002+01:00

Charles Chaplin ouviu de um amigo, que apesar de terem posturas diferentes, parecia-se fisicamente com Hitler. Os dois tinham o mesmo biótipo, o bigode e altura, além de conseguirem chegar ao topo do sucesso em suas áreas. Depois descobriu que a diferença de nascimento dos dois era de apenas quatro dias. Diante desses fatos, resolveu brincar um pouco com as coincidências e criar uma história em que um judeu e um ditador trocariam de papéis. O eterno vagabundo foi muito corajoso ao fazer um filme criticando o nazismo numa época de guerra. Quando The Great Dictator estreou nos cinemas em 15 de Outubro de 1940 causou protestos de todos os lados.

Charles Chaplin foi acusado pelo Comité das Actividades Anti americanas por actuar e dirigir este filme, resultando na sua expulsão dos Estados Unidos.

The Great Dictator começa durante a primeira guerra mundial, retratando com o humor único de Charles Chaplin a perseguição e discriminação religiosa sofrida pelos judeus da época. Mesmo o som já tendo chegado aos cinemas quando o filme foi feito em 1940, Charles Chaplin optou por diálogos curtos, utilizando-se assim mais de técnicas do cinema mudo, pelo qual é muito conhecido salvo porém, pelo final e clímax do filme, em que Charles Chaplin faz um discurso de seis minutos de duração,que na minha opinião o mais formidável discurso anti-guerra existente.

Charles Chaplin interpreta duas personagens: o barbeiro judeu e o ditador, que são idênticos em sua aparência, mas diferentes nas suas concepções. O judeu é um ex-combatente da primeira guerra, tentando retornar à sua rotina após passar um bom tempo num hospital. Enquanto ele estava internado, muitos acontecimentos mudaram os rumos do mundo: o partido de Adenóide Hynkel, o ditador, toma o poder, fazendo discursos tão inflamados que assustavam a multidão. Nas ruas, os soldados invadem as casas dos judeus, agredindo-os, saqueando as suas lojas e exaltando a superioridade da raça ariana. O barbeiro judeu, assim como todos os demais, sofre também com isso. A figura feminina dessa vez é representada por Hannah (Paulette Goddard), uma mulher pobre que é maltratada, mas que acaba a ajudar o judeu. Hannah é uma homenagem de Charles Chaplin à sua mãe, Hannah Chaplin, que também era judia. Ela salva-o de uma perseguição dos policias alemães, e acaba sem querer bater com uma frigideira na sua cabeça. A cena tornou-se um bailado perfeito, pois, tanto pelo golpe, onde o judeu sai dançando entre a calçada e a pista, mostrando que o actor, apesar da idade, ainda estava em plena forma.

Noutro plano, Hynkel prepara o grande golpe, condenando todos os judeus. Hannah e os seus amigos fogem para Austerlich, onde encontram uma paz transitória. Hynkel tenta chegar a acordo com outro ditador, Napaloni (Jack Oakie), numa sátira ao ditador Mussolini. Os dois passam por uma briga de egos, trazendo um dos melhores momentos do filme. A guerra continua, e enquanto isso Hynkel vai caçar patos onde acaba por ser confundido com o judeu e é preso. O pequeno barbeiro, por sua vez, é confundido com o ditador, e caminha para fazer o seu discurso, só que invés de ouvirem o discurso inflamado do antigo ditador, o que ouvem é uma exaltação à paz.

Entre as cenas inesquecíveis deste clássico recordamos o delicado bailado de Hynkel com o globo terrestre, o seu voo de pernas para o ar, e o duelo pelas cadeiras de barbeiro entre Hynkel e Napaloni. A grande comédia encontra a grande paixão pela sétima arte e a melhor sátira política em The Great Dictator.

The Great Dictator foi o primeiro filme de Charles Chaplin totalmente falado.

Apesar de toda a confusão que acompanhou a sua estreia, o filme foi indicado para os Oscars de Melhor Actor (Charles Chaplin), Melhor música, fotografia e actor secundário (Jack Oakie). Não ganhou nenhum, mas Charles Chaplin levou o prémio de melhor actor da Associação dos Críticos de Nova York.

The Straight Story

2008-07-25T16:33:00.002+01:00

O filme The Straight Story, de David Lynch lançado em 1999 causou na altura alguma estranheza devido ao facto de ser um filme normal de um realizador, por norma, anormal. Confuso? Um pouco mas, para qualquer conhecedor da filmografia de David Lynch esta premissa é facilmente compreendida.

Esta pequena obra-prima narra a história baseada em acontecimentos verídicos de um homem, Alvin Straight (Richard Farnsworth), que em 1994, com 73 anos, faz uma viagem de mais de 500 quilómetros num pequeno tractor/cortador de relva para visitar o seu irmão gravemente doente, Lyle (Harry Dean Stanton).

A pitoresca história de Alvin parece comum. Ao saber que seu irmão tinha sofrido um derrame, ele viaja para reconciliação depois de dez anos. Alvin já estava idoso, morava com uma filha Rosie (Sissy Spacek) portadora de uma deficiência mental. Alvin teve a ideia de adaptar seu cortador de relva e fazer-se á estrada porque não confiava no transporte público (recusava-se até a andar com ajuda de muletas) e não podia dirigir porque tinha a carta de condução caducada devido à saúde debilitada.

A dicotomia complexidade versus simplicidade pela qual o filme foi tão falado na altura é um exercício divertido de analisar no sentido em que, o que tem de simples ou normal uma homem de 73 anos viajar durante 6 semanas num pequeno tractor? Ele tinha a possibilidade de apanhar uma camioneta mas não, este homem decide fazer as coisas da forma mais difícil! E porquê... bom, esta é uma resposta a descobrir ao longo da obra. Mas por outro lado, o que tem de complexo um filme que é basicamente um road-movie com uma personagem idosa que tem muitos “fantasmas” por resolver na sua alma antes de chegar ao seu destino.

Aquilo que mais me agradou no filme quando o vi foi indiscutivelmente a sensação com que fiquei no final. Esta é uma obra que deixa-nos a pensar imenso sobre a vida mas, ao mesmo tempo, deixa uma sensação de alegria e esperança no coração. Ao ver este homem cumprir a sua viagem, sentimos a partir de certa altura a necessidade de concretizar algo semelhante na nossa vida. Sozinhos durante tempo incerto com todo o tempo do mundo para reflectirmos sobre tudo e sobre nada, sem o relógio a mandar em nós, apenas o homem com a natureza, a sua Casa, com a possibilidade de contactar com ele mesmo sem interrupções, sem obrigações.

A juntar às brilhantes interpretações de Richard Farnsworth que injustamente perdeu nesse ano o Óscar de melhor actor principal somos agraciados por uma brilhante banda sonora de Angelo Badamenti, uma espectacular fotografia de Freddie Francis e uma sublime realização de David Lynch que consegue toda a riqueza visual típica dos seus filmes numa obra passada quase na sua totalidade em cenários exteriores.

Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain

2008-07-23T09:58:00.003+01:00

Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (O fabuloso destino de Amélie Poulain), é um filme francês realizado por Jean-Pierre Jeunet em 2001 e que vem acumulando elogios por todo o lado que passa. Na França de origem o filme foi aclamado e teve bilheteira gorda, chegou aos Estados Unidos e conquistou o público, e ainda se tornou o filme francês de maior bilheteira no país.

Após deixar a vida de subúrbio que levava com a família, a inocente Amélie (Audrey Tautou) muda-se para o bairro parisiense de Montmartre, onde começa a trabalhar como garçonete. Certo dia encontra uma caixa escondida no banheiro de sua casa e, pensando que pertencesse ao antigo morador, decide procurá-lo e é assim que encontra Dominique (Maurice Bénichou). Ao ver que ele chora de alegria ao reaver o seu objecto, Amélie fica impressionada e adquire uma nova visão do mundo. Então, a partir de pequenos gestos, ela passa a ajudar as pessoas que a rodeiam, vendo nisto um novo sentido para sua existência. Contudo, ainda sente falta de um grande amor.

Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain é uma fábula. Adquire esta ideia antes de ver o filme e você desfrutará de 2 horas de pura magia cinematográfica. A música é parte do encanto do filme. Combina acordeão com sons lúdicos, que ajudam a transpor a magia do conto de fadas para além da visão. A fotografia é colorida com tons pastéis fortes, pouco vistos no cinema. A liberdade com o visual permite que se utilize desde recursos de videoclipe até mesmo computação gráfica, sem que isso estrague o filme. As personagens são pessoas como as que se vê nas ruas o que vai ajudar a criar um clima de cumplicidade e aliado à brilhante interpretação de todos eles, o filme consegue torná-los especiais e memoráveis.

No filme existem cenas de pura contemplação que, com certeza, seriam eliminadas de um filme norte-americano. Ouvir Edith Piaf ecoando nas paredes do metro foi delicioso, assim como subir as escadarias do parque, seguindo as pistas de Amélie. Mas o momento que define o filme, na minha opinião, é quando a personagem principal faz um pequeno tour com um ceguinho na rua. Aquilo encantou-me de tal maneira que eu saí do cinema com a alma lavada, com a crença de que no mundo ainda existem pessoas que se preocupam com as outras. Digo isto não pensando na personagem Amélie,mas sim, em todos que fizeram este filme. Pessoas que se preocupam com a mensagem que é passada nos momentos de lazer.

A actriz Audrey Tautou tem uma interpretação excelente, e merecia um Óscar (o filme ganhou o Óscar de melhor filme estrangeiro). O seu olhar, as suas caras e bocas, seu jeito de falar, ela é simplesmente cativante e faz nos acreditar que ali estamos a ver uma pessoa de alma pura.

A música também é fantástica composta por Yann Tiersen, que usa com mestria a tradicional marca sonora francesa, o acordeão, lindamente misturado com violinos e sons lúdicos e inusitados, como uma caixinha de música, um xilofone e até mesmo uma máquina de escrever.

Luna Papa

2008-07-20T21:38:00.002+01:00

Luna Papa é uma viagem fantástica e tragicômica pelas paisagens selvagens da Ásia Central, onde a tradição e a superstição se justapõem ao caos do mundo pós-moderno.

Passado numa aldeia do Tadjiquistão, estado independente situado na Ásia Central Soviética, Luna Papa foi um filme complicado de rodar, com problemas recorrentes, resultantes de más condições atmosféricas ou de ataques de grupos militarizados. Os cineastas têm motivos para estar satisfeitos com a energia dispendida na produção, depois do reconhecimento em inúmeros festivais de cinema e de uma nomeação para os Oscars.

O filme passa-se numa pequena aldeia não muito longe de Samarcanda, a bela Mamlakat (Chulpan Khamatova), dezassete anos, órfã de mãe, sonha ser actriz. Numa noite de luar é seduzida por um estranho misterioso que diz ser amigo de Tom Cruise. O homem desaparece na escuridão, deixando Mamlakat grávida. Para o seu pai, Safar (Ato Mukhamedzhanov), e para o seu irmão, Nasreddin (Moritz Bleibtreu), a restauração da honra da família é uma questão de orgulho e tanto eles como a jovem querem encontrar o responsável. Na barriga da mãe, Khabibulla (Polina Rajkina) partilha as aventuras inacreditáveis e acidentes curiosos que acontecem aos três, enquanto procuram o seu pai.

Luna Papa move-se num universo na fronteira entre o onírico e o real, apresentando-nos uma cultura baseada na tradição e em superstições religiosas e místicas, em luta com a penetração da tecnologia do mundo moderno. A personagem central, a jovem Mamlakat, é pura e inocente, mas também tem o engenho, a perspicácia e a inteligência para sobreviver numa região social e economicamente conturbada. O romantismo adolescente leva-a a deixar-se seduzir por alguém que afirma conhecer o actor “Top Cruise”, mas, depois do facto consumado, tem a coragem e a presença de espírito necessárias para enfrentar a família e a comunidade. O acto de amor é representado de forma algo abstracta, numa das cenas mais sugestivas do filme, quando dois corpos, quase indefinidos, escorregam, flutuando, por uma encosta abaixo. Pouco depois do fim da queda, Mamlakat está grávida e eis que os seus problemas começam.

o filme realizado por Bakhtyar Khudojnazarov é uma experiência sobretudo visual, graças à excelente fotografia e ao realismo fantástico em que se traduz o olhar do realizador, sobre a cultura e o país onde nasceu.

Grande parte do prazer em assistir a Luna Papa reside na forte presença da actriz Chulpan Khamatova, que já havia prendido a atenção de todos os que assistiram ao maravilhoso filme Tuvalo de Veit Helmer, um filme já referenciado neste blog.

2001: A Space Odyssey

2008-07-17T11:18:00.004+01:00

2001: A Space Odyssey (1968) é um dos maiores filmes de ficção cientifica feitos até hoje. Stanley Kubrick fez um trabalho genial, juntamente com Arthur C. Clarke, a adaptar o livro deste último e a realiza-lo, mas a verdade é que esta obra é tão complexa que por vezes nos perdemos no emaranhado de ideias que quer transmitir. Houve muitas discussões sobre o verdadeiro significado do filme e Stanley Kubrick em resposta a essas discussões disse "You're free to speculate as you wish about the philosophical and allegorical meaning of the film—and such speculation is one indication that it has succeeded in gripping the audience at a deep level—but I don't want to spell out a verbal road map for 2001 that every viewer will feel obligated to pursue or else fear he's missed the point."

2001: A Space Odyssey é uma contagem regressiva para o futuro, o mapa para o destino da humanidade, uma indagação para o infinito, que mostra o drama entre a máquina e o homem envolto em música e movimento.

Coincidências à parte, foi lançado em 1968, precisamente no auge da corrida espacial entre os US e URSS, contendo uma espectacularidade única, prescindindo de diálogos em favor de imagens e efeitos especiais espectaculares.

O primeiro dialogo surge apenas após a primeira meia hora, havendo menos de 40 minutos no total. Grande parte do filme é passado em silêncio, precisamente como no espaço, onde não se propaga o som, ou então ouvindo o som da respiração humana dentro do fato espacial. Todas as cenas do filme tem dialogo ou musica (ou silêncio), mas estes nunca se conjugam.
Tendo por base a evolução do homem, desde a sua emergência do mundo animal até ao domínio de uma tecnologia capaz de construir entidades como o mega computador HAL.

Uma das personagens principais do filme é o computador inteligente HAL 9000, uma das máquinas mais famosas da História do Cinema.

Outros destaques do filme são os seus efeitos especiais pioneiros, e a sua banda sonora, composta entre outras por obras de Richard Strauss.

A origem do Homem, representada quando um grupo de primatas vive o instante em que passam a utilizar de ferramentas, teoricamente influenciados por um estranho monolito, até a sua escalada rumo ao Espaço, passando pelos apuros dentro de uma espaçonave governada por um supercomputador rebelde HAL 9000, neste clássico adaptado ao cinema a partir do conto que deu origem a este livro. Uma anomalia magnética na lua leva integrantes da sua colônia à descoberta, na verdade um reencontro, de um monolito, que ao ser tocado pelo sol envia uma mensagem em direção a Júpiter.

2001: A Space Odyssey de Stanley Kubrick, é o melhor filme de ficção de todos os tempos.

The Nightmare Before Christmas

2008-07-16T22:12:00.002+01:00

The Nightmare Before Christmas é a primeira longa-metragem de animação musical filmada em “stop-motion” ou “Stop-Action Animation”. As criaturas ganham vida neste filme através da perfeita simbiose entre a imaginação visual e conceptual de Tim Burton e a imaginação musical de Danny Elfman.
Um mundo de fantasia, de magia de sonhos, onde o que se imagina pode acontecer. Existe uma cidade a Cidade Halloween nela se prepara durante um ano o Halloween. Um mundo escuro com falta de luz, cheio de sustos, de gritos, onde todos gritam, onde Jack (Chris Sarandon) é o rei das Abóboras e quem lhe faz companhia é o seu cão Zero.

Jack é excelente no seu trabalho e na sua liderança de todo o grupo, fama e glória não lhe faltam, mas anda triste e deprimido algo nele necessita de mudar, ou de experimentar, pois anda cansado de fazer as mesmas coisas.

Um dia ao passear afastou-se mais e numa floresta entrou, nela quatros portas estavam, uma delas escolheu e nela entrou. Numa vertigem de cores e colorido entrou, crianças alegres e felizes brincam e saltam, o mundo é branco e frio, pinheiros verdes enfeitados vêem-se por todo o lado, assim Jack observa um mundo estranho e desconhecido para ele o Mundo do Natal.

Do outro lado julgam que ele desapareceu ou morreu. Ao seu mundo dele regressa e novas ideias traz, cor alegria e um espírito diferente no modo de fazer quer implementar, assim convoca uma assembleia e começa por mostrar as diferentes cores, presentes e pinheiros todos enfeitados e coloridos no fim descreve quem chefia esse mundo é um rei terrível, com uma voz profunda e poderosa, também ouvi dizer que deve ser visto como uma lagosta grande e vermelha.

Assim enquanto o mundo de Jack não percebe o Natal ele tenta organizar e passar para o papel toda a sua grande alteração que pensa efectuar, e pensa em como irá transmitir a ideia do Natal, deste modo pensa este ano o Natal vai ser nosso.

Com todos irá ter e distribuir tarefas, assim os filhos do Bicho papão são também chamados para uma tarefa muito especial raptar o Pai Natal.

Assim vai surgir Sally (Catherine O'Hara) que diz ter tido uma visão do Natal de Jack, nele havia fumo e fogo, mas Jack não acredita e diz que vai ser risos, alegria e o fato do Pai Natal que irá ser feito pela Sally.

A noite de Natal chega e com ela os preparativos que tinham sido todos trabalhados vão ser colocados em prática, deste modo começa uma noite que nada tem a ver com noite de Natal, mas também não tem a ver com uma noite de Halloween.

Neste mundo de magia e sonhos numa animação de excelência vamos sendo transportados para os diferentes espíritos Natal e Halloween, nele se tenta entre cruzar o que de bom ou mau existem em cada um deles. Deste modo e de uma forma leve alegre e inesperada vamos sendo levados ao que surge deste cruzamento destes dois mundos. Quem irá salvar o Natal?

Este conto, é provavelmente um dos filmes natalícios mais belos que alguma vez passaram na tela de cinema. A profundidade e verdade da história é impressionante. Se procuram um dos filmes que mais vos faz sentir aquele "calor" dos últimos dias de Dezembro, é este poema de Tim Burton.

Esta aventura, é uma bela reflexão sobre o lugar de cada um no mundo. Era muito difícil, talvez impossível, para o Rei das Abóboras fazer os seus companheiros, que viveram toda a eternidade rodeados de escuridão e habituados a causar o medo, entender a palavra "beleza". Mas o herói havia sido assim durante toda a sua vida... Só que de um momento para o outro, ficou maravilhado com todas estas novas possibilidades... No entanto, quando tentou mudar o Natal "à sua maneira", causou tristeza... Talvez tudo signifique que não é impossível sentirmos, só é difícil, entendermos.

O filme tem vários elementos de cariz musical, humor, fantasia, excepcionais efeitos especiais, entretenimento e imaginação infantil. Tudo hábil e delicadamente manejado, proporcionando uma encantadora fábula com uma ambiência fascinantemente negra e sombria. A obscuridade de “Halloween” é aprazivelmente contrastada pela cativante “Christmas”. Tudo brotado da aluada e delirante mente de Tim Burton, o filme é uma consistente mistura de visuais loucos, músicas, sons e uma criativa história que provocaram a rendição de muitos espíritos. A imaginação deste génio pasma e deleita.

Platoon

2008-07-16T13:54:00.002+01:00

Considerado um dos melhores filmes de guerra já feitos, Platoon consegue reunir num contexto simples todos os fatos que podem ser considerados mais importantes numa guerra. Não é apenas um filme sobre a guerra do Vietnã, mas um retrato fiel e realista, dos dramas pessoais e dos conflitos emocionais os quais os soldados estão expostos.

Um dos maiores sucessos do director Oliver Stone, o filme consagra não só a direcção, mas um roteiro esplêndido, uma bela fotografia e um elenco brilhante.

O filme conta com cenas marcantes e profundas, que são narradas através do olhar de um jovem soldado, interpretado por Charlie Sheen. O filme ganha vida ao passo que o jovem protagonista vivência a guerra, e percebe que além das bombas, das armas e das ameaças, existem perdas muito maiores, e que nesse caminho de ódio, guerra e intolerância, são deixados para trás não só homens e vidas, mas também os bons sentimentos da paz e da inocência.

Chris (Charlie Sheen) é um jovem recruta recém-chegado a um batalhão americano, no meio da Guerra do Vietnã. Idealista, Chris foi um voluntário para lutar na guerra pois acredita que deve defender seu país, assim como fez seu avô e seu pai em guerras anteriores. Mas aos poucos, com a convivência dos demais recrutas e dos oficiais que o cercam, ele vai perdendo sua inocência e passa a experimentar de perto toda a violência e loucura de uma carnificina sem sentido.

Platoon ganhou 4 Oscars, nas categorias de Melhor Filme, Melhor Director, Melhor Som e Melhor Edição e recebeu ainda outras 4 indicações, nas seguintes categorias: Melhor Actor Coadjuvante (Willem Dafoe e Tom Berenger), Melhor Fotografia e Melhor Roteiro Original.

Platoon é um excelente filme que demonstra claramente os horrores da guerra.

The Rocky Horror Picture Show

2008-07-16T13:23:00.007+01:00

Numa época em que rock´n roll era o estilo musical; em que travesti não era apenas uma opção sexual, e sim normal; em que o sexo e o prazer eram os mais deliciosos delírios foi lançado um musical que retratava muito desta época de rebeldia: The Rocky Horror Picture Show.

Raramente, vemos um musical assim. Repleto de humor e músicas variadas, como a dança do tempo, a melhor das músicas, e muito mais.

Quando o filme inicia somos apresentados a Janet (Susan Sarandon) e Brad (Barry Bostwick), um casal comum que se ama, porém ainda não provaram do fruto proibido. Chegando lá, são recebidos pelo Dr. Frank-N-Furter (Tim Curry), um transexual da Transilvânia. Lá, muitas surpresas irão por vir.

O talento de Tim Curry foi fundamental para o equilíbrio desta interessante produção, sem sua actuação o filme perderia a graça.

Em The Rocky Horror Picture Show também temos Susan Sarandon em início de carreira onde talentosamente, interpreta Janet uma inocente mulher que, ao longo do filme, descobre que pode ser muito mais que isso. Enquanto Barry Bostwick interpreta o noivo de Janet, o Brad, onde faz uma interpretação fantástica da sua personagem.

As músicas são bem amarradas e as melhores do filme, são, sem dúvida nenhuma, a interpretada por alguns travestis, a “Dance Warm” e também a interpretada por Meat Loaf, e também tem a “Touch-Me”, quando Susan Sarandon tenta seduzir Eddie (Meat Loaf).

O filme é bastante divertido e interessante, realizado por Jim Sharman em 1975.

The Rocky Horror Picture Show representou uma mudança cinematográfica, onde nos cinemas foi aclamado pelos críticos de pé. É um verdadeiro show cinematográfico. Um espectáculo do cinema.

Sobre um fundo preto, uma boca vermelha e carnuda canta "Science Fiction Double Feature", música de abertura do filme The Rocky Horror Picture Show. Desde 1975 esta cena é vista em salas de exibição ao redor do mundo, fazendo com que The Rocky Horror Picture Show seja o filme com mais tempo de exibição em toda a história do cinema.

La Vita è bella

2008-07-15T16:13:00.003+01:00

La Vita è bella é um one-man-show, Roberto Benigni escreve, dirige e interpreta. Ninguém duvidava da identidade do autor desta obra, nem de que era o seu rosto o mais filmado, mas este begninicentrismo sobrepõe-se a qualquer outra definição temática presente no filme. É sobre o Holocausto, a intolerância, o amor, o sacrifício, a indissolubilidade da família? Mas é sobretudo um filme de e com Roberto Benigni. Poderá ser difícil sentimo-nos afectados pela força dramática que se vai preparando à medida que o filme evolui, sem nos distrairmos pela performance do "clown", pelo humor típico de filmes que normalmente não pretendem ser "sérios" nem considerados "importantes". Também é verdade que nos dias de hoje certos temas parecem ganhar importância apenas quando são eficazmente inseridos em eficazes produtos comerciais de entretenimento, como se de tal precisassem para sair da banalização a que estavam remetidos. O público gosta de ser "entretido" e, ao mesmo tempo, sente que aprecia uma obra pelo seu valor intrínseco; ficam todos felizes.

Na história do cinema e da televisão não faltam retratos de uma época negra do século XX. La Vita è bella destaca-se de outros filmes por apresentar sob um outro prisma a crueldade dos Nazis. O argumento faz com que o horror dos campos de concentração gire em torno do ponto principal: a tentativa desesperada de Guido (Roberto Benigni) em convencer o filho (Giorgio Cantarini) de que estão a participar num jogo. O espectador entra também nesse jogo e por vezes não parece que estamos a assistir a um filme dramático, pois rimos com as peripécias de Guido, o que é invulgar num episódio tão conturbado e normalmente retratado com extrema seriedade. Aliado aos elementos dramáticos está o elemento cómico que marca o desenvolvimento da história de um filme que nos prende do primeiro ao último minuto.

O filme passa-se numa Itália dos fins da década de trinta, Guido viaja com um amigo para a cidade de Arezzo, onde espera encontrar emprego com a ajuda do tio Eliseo (Giustino Durano). Pelo caminho conhece ocasionalmente Dora (Nicoletta Braschi), uma professora membro de uma rica família com a qual se encontra nas situações mais invulgares, a princípio sem querer, mas depois já propositadamente. Fazendo uso da sua inesgotável imaginação e romantismo acaba mesmo por conquistar Dora. A narrativa dá um salto para os anos 40. Guido conseguiu abrir a livraria dos seus sonhos e vive feliz com a mulher e o pequeno e encantador filho Josué. O ódio pelos judeus, segundo a ideologia nazi ligada ao fascismo italiano, vai-se adensando até que chega o dia em que Guido e o filho são separados de Dora e levados juntamente com outros judeus para um campo de concentração. Para proteger Josué, Guido, com bastante imaginação e fantasia, convence o pequeno de que tudo aquilo se trata de um jogo e que toda a gente também participa para obter uma determinada pontuação e ganhar um prémio. Até onde irá o amor dum pai pelo seu filho?

É certo que se trata de uma obra de ficção, sem os contornos de realismo que Spielberg gosta de utilizar nos seus filmes "sérios", ao ponto de deixar de falar neles pelo que são, e passar a referir-se ao contexto histórico em que se inserem, mas Benigni parece pôr de parte toda uma lógica que reforçaria a força emocional de determinadas situações. Desde logo, as brincadeiras de Guido são demasiado facilitadas, num campo de concentração onde ele se parece mover demasiado à vontade, numa série de situações criadas (desse modo) artificialmente apenas para atingir o efeito cómico/dramático requerido. Mesmo quando não se busca mais um momento de humor, há situações cujo potencial dramático é desperdiçado, como o reencontro com o Dr. Lessing (Horst Buchholz). As palhaçadas orquestradas não deixam de parecer palhaçadas reais e raramente se sente que aquilo tudo é a sério, senão muito próximo do final, quando não existe tensão acumulada que se possa libertar.

Edward Scissorhands

2008-07-15T14:02:00.003+01:00

Imagine um cruzamento entre o vagabundo de Charles Chaplin e a criatura de Frankenstein. O resultado não estaria muito longe do protagonista de Edward Scissorhands, filme de 1990 dirigido por Tim Burton.
Era uma vez um castelo no topo de uma colina, onde vivia um inventor (Vincent Price) cuja maior criação é o Edward (Johnny Depp). Apesar deste possuir um carisma irresistível, não é perfeito. A trágica e súbita morte do inventor deixou-o incompleto e dotado de afiadas tesouras em vez de mãos. Isto o impede de poder se aproximar dos humanos e ele vive sozinho no castelo. Apesar da dificuldade inicial, Edward acaba por se tornar bastante habilidoso com as tesouras, que ele utiliza para podar as árvores de seu jardim em formatos diversos.
Um dia Peg Boggs (Dianne Wiest), uma vendedora da Avon, descobre Edward acidentalmente e decide levá-lo para sua casa na cidade de Suburbia.
Edward adapta-se perfeitamente à sua nova família e as suas prodigiosas 'mãos' transformam-no num sucesso entre toda a vizinhança onde descobre o talento de criar revolucionários cortes de cabelos e dar vazão à sua solidão interior ao podar a vegetação em forma de figuras ou esculpir lindas imagens no gelo. No entanto, Edward é vítima da sua inocência e, se é amado por uns, é perseguido por outros. Seu talento é explorado e mal compreendido e ele tem que enfrentar o preconceito das pessoas para aprender a conviver e descobrir o amor.
Kim (Winona Ryder), a filha de Peg, deixa-se seduzir por Edward, o que enfurece o seu namorado Jim (Anthony Michael Hall).
Por outro lado, Joyce (Kathy Baker), uma das vizinhas, tenta conquistar o jovem, sem sucesso. Furiosa, inicia uma violenta campanha contra o infeliz rapaz
Edward tem as mesmas origens da criatura de Frankenstein, monstro construído pelo homem, fruto ao mesmo tempo do orgulho (sonhos de omnipotência divina do criador) e da utopia (ilusões de um homem melhor, fabricado para ser perfeito) de um cientista. Ao mesmo tempo, possui a inocência infantil que lhe dá uma expressão facial e um comportamento quase chapliniano, dos olhares desamparados aos passinhos curtos e cómicos.
Johnny Depp é perfeito no papel de Edward, Winona Ryder cria simpatia, Alan Arkin é presentemente forte, mas contundo todas as personagens (excluindo Eduardo) não são mais do que simples caricaturas.
Tim Burton tem neste filme uma realização esplêndida, concreta, sempre divertida e um ambiente gótico, próprio dele, uma belíssima fotografia negra e uma banda sonora composta pelo mítico Danny Elfman, que juntamente com Tim Burton só poderia resultar num belo filme.
Por um lado, o espectador acaba por simpatizar com este adorável personagem que nos faz rir quando por exemplo tenta comer algo com as suas enormes tesouras e não o consegue fazer, ou nos espanta com o seu talento a cortar o cabelo às pessoas da cidade ou a fazer autênticas esculturas a partir dos arbustos. Por outro lado, sentimos pena dele. De facto, Edward é o simbolismo da pessoa inadaptada e o amor que irá sentir por Kim, irá despoletar um acontecimento trágico que marcará a sua passagem pela cidade.
Não é perfeito, mas é belo. Um fabula negra que pelo qual devemos reflectir as diferenças de cada um. Um dos mais perfeitos filmes de Natal adulto, onde apenas falha na caracterização das personagens secundarias.

Chinatown

2008-07-13T16:48:00.004+01:00

Com um argumento que valeu um Óscar a Robert Towne , Chinatown é um grande filme de Roman Polanski. Um exemplo de que também se fazem grandes filmes, sem recurso a efeitos especiais, ou cenas muito elaboradas.

O filme passa-se em Los Angeles, 1937. J.J. Gittes (Jack Nicholson), um detetive particular, recebe a visita de uma mulher que deseja contratá-lo, pois acredita que seu marido, o engenheiro-chefe do Departamento de Águas e Energia, tem um caso. Porém, Gittes logo descobre que sua cliente na verdade era uma farsante, mas a verdadeira Evelyn Mulwray (Faye Dunaway) o encontra. Quando o marido aparece morto no reservatório de água da cidade, Gittes percebe a gravidade do caso. Seu envolvimento leva-o a ser atacado por gângsters e, após manter um romance com Evelyn, descobre que ela é filha de Noah Cross (John Huston), um dos homens mais poderosos da cidade. Gittes desconfia então que Cross, um rico proprietário que tem interesses ilícitos nas terras próximas ao reservatório, teve uma relação incestuosa com a filha, nascendo daí a jovem vista com o marido de Evelyn.

Chinatown (1974) é uma das obras maiores de Roman Polanski, tendo como Jack Nicholson protagonista e uma das suas mais célebres frases “I goddamn near lost my nose. And I like it. I Like breathing through it.” Quanto ao poster é um das imagens de marca do cinema americano, simples, mas inesquecível.

Roman Polanski filmou Chinatown de uma forma minimalista, mas eficaz. A palete cromática das imagens escolhida com cuidado remete-nos eficazmente para os anos 30 de Los Angeles. O argumento é soberbo, engenhoso e coerente. O final intensamente dramático é talvez uma das razões que eleva este filme a um clássico. A banda sonora de Jerry Goldsmith, incrivelmente composta em 10 dias, é a cereja no topo do bolo. A culminação de óptima realização, argumento, interpretações e banda sonora.

Roman Polanski conseguiu criar o que provavelmente pode ser considerado o único filme noir da era contemporânea do cinema.

Vertigo

2008-07-12T07:32:00.002+01:00

A estreia de Vertigo foi há cinquenta anos. Mais precisamente, no dia 9 de Maio de 1958. Em São Francisco, a cidade onde decorre a acção do filme.Cinco décadas depois, o filme de Alfred Hitchcock permanece intenso e é um belo exemplo de como a arte cinematográfica consegue seduzir de múltiplas formas. Pelo poder das imagens, pela inteligência do argumento, pelo fascínio da música, pelos aspectos técnicos da montagem das cenas e do tratamento da cor; pela presença dos actores, pela ousadia técnica num período em que filmar a queda de um corpo ou a encenação visual de uma vertigem exigia perícia e «know-how».
Baseado no livro “D'Entre les Morts” de Pierre Boileau e Thomas Narcejac, Elster (Tom Helmore) quer livrar-se da sua mulher e prepara uma armadilha a Scotty (James Stewart) de forma a que este possa ser testemunha do suicídio simulado dela. Para o fazer contrata uma rapariga e transforma-a numa loira. Elster constrói uma personagem feminina, Madleine (Kim Novak) irresistível para Scotty e rodia-a de mistério e neuroses num crescendo que culmina com o suposto suicídio de Judy do qual Scotty é testemunha. Na realidade é a mulher de Elster que cai da torre da igreja e não se trata de um suicídio genuíno. Scotty, sem saber o que realmente se passou, fica tão perturbado que tem de ser internado numa instituição psiquiátrica para se recuperar do choque. Quando finalmente recupera encontra na rua uma rapariga parecida como Madleine, mas morena Judy (Kim Novak). Scotty transforma esta rapariga de forma a ela ficar semelhante a Madleine, pinta-lhe o cabelo de loiro, muda-lhe a roupa e a maquilhagem. A semelhança entre Madleine e Judy é tão grande que Scotty começa a suspeitar que se trata da mesma pessoa. Para descobrir se é esse o caso Scotty leva Judy à mesma torre onde a cena do suicídio se passou de forma a repetir a cena anterior e descobrir a verdade mas desta vez a Judy/Madleine morre realmente.
Vertigo é tido como a mais complexa e surreal obra de Alfred Hitchcock e, com efeito, após a visualização atenta do filme sentímo-nos atraídos a voltar ao mesmo, a revisitar uma e outra vez as diversas camadas que o constituem de modo a descobrir todos os pequenos pormenores que fazem dele uma das maiores obras-primas da 7ª arte. Dotado de uma cinematografia fora de série pelo “mestre” Robert Burks, uma banda sonora de sonho por Bernard Herrmann que adapta-se ao ambiente na perfeição e a sempre suprema realização de Alfred Hitchcock este é um clássico a não perder, uma obra a descobrir por todos os que amem cinema ou apenas por aqueles que apreciem um bom filme. Destaque-se ainda que é neste filme que o famoso efeito de vertigem, usado constantemente em outros filmes, é utilizado pela primeira vez, mais uma vez pela mão do sempre revolucionário Robert Burks.
Vertigo foi em 1958 nomeado para dois Óscares, melhor direcção artística e melhor som, acabando por não ganhar nenhum deles. Sem qualquer surpresa, o verdadeiro reconhecimento ao filme acabou por chegar, não dos E.U.A., mas sim da Europa, mais especificamente de Espanha, no San Sebastían International Film Festival onde Alfred Hitchcock ganhou um prémio pela realização e James Stewart o prémio de melhor actor.

Reservoir Dogs

2008-07-12T07:05:00.004+01:00

Joe Cabot (Lawrence Tierney), um experiente criminoso, reuniu seis bandidos para um grande roubo de diamantes, mas estes seis homens não sabem nada um sobre os outros e cada um utiliza uma cor como cognome. Porém durante o assalto algo ao saiu errado, pois diversos policiais esperavam no local. Mr. White (Harvey Keitel) levou Mr. Orange (Tim Roth), que na fuga levou um tiro na barriga e morrerá se não tiver logo atendimento médico, para o armazém onde tinha sido combinado que todos se encontrassem. Logo depois chegou Mr. Pink (Steve Buscemi), que está certo que um deles é um polícia disfarçado e eles precisam descobrir quem os traiu. A partir desse momento, a história é a do conflito entre estes homens obrigados pelas circunstâncias a coexistir, mas que, afinal, não são, exactamente, iguais entre si, enquanto tentam descobrir onde está o erro e a quem responsabilizar, revelam fidelidade, regras, princípios e obediência a determinado tipo de fés e morais, por dentro das suas bem mascaradas consciências.
Aclamado pela crítica pelos seu poder frontal e ferocidade de cortar a respiração, este filme é um brilhante clássico dos filmes de gangsters americanos, do argumentista e realizador Quentin Tarantino.
Mas o que faz de Quentin Tarantino um grande argumentista e realizador são os pormenores deliciosos. Quebrando os cânones, o realizador passa eternidades a aprofundar diálogos inacreditáveis e que não fazem avançar a história um milímetro. Ironicamente, são esses os pormenores que nos marcam e nos fazem apaixonar pelos personagens. A conversa inicial sobre o tema Like a Virgin de Madonna é inacreditável, grande teoria. A discussão sobre os nomes falsos, na qual Mr. Pink se queixa do nome que lhe foi atribuído por ter conotações gay e Mr. Brown (Quentin Tarantino) se queixa do seu nome merdoso é mais uma demonstração de como o acessório pode por vezes suplantar em interesse o supostamente essencial.Os personagens de Reservoir Dogs falam muito, Gritam, ironizam, reclamam, reivindicam, comprometem-se. Não é uma linguagem polida, Pelo contrário: é a linguagem do gang, da rua,do underground, Chega a ser hilariante.
Falta mencionar os litros de sangue derramado ao longo dos 95 minutos de projecção, todos eles fruto de uma violência que por vezes obriga o espectador menos insensível a virar a cara. Na cena final, todos os personagens ainda vivos entram em rota de colisão e o clímax resulta numa cena inesquecível.Entre outras coisas, deste filme ficam na memória: a elegância fotográfica do filme; o contraste entre o negro dos fatos e o vermelho do sangue; a alusão, na cena final, a um arquétipo figurativo do imaginário ocidental: Mr. Orange nos braços de Mr. White, émulo da cena do Cristo moribundo no aconchego materno; a densidade dramática conseguida em longos planos que, através do tempo real, nos permitem captar o detalhe mais subtil de cada gesto ou expressão; o virtuosismo de um elenco invejável. Suficiente para fazer de Reservoir Dogs filme de culto e de Tarantino nome incontornável da cinematografia recente.

Control

2008-07-11T18:42:00.002+01:00

Aplaudido de pé pelo público e pela crítica, Control realizado pelo holandês Anton Corbijn, 52 anos e relativamente novato no mundo do cinema, tinha já deixado a sua assinatura em diversos videoclips de grupos como Depeche Mode ou os U2 e é um conhecido fotógrafo, um filme sobre a vida e o suicídio de Ian Curtis, líder da lendária banda Joy Division.

Control documenta os últimos anos da vida de Ian Curtis (Sam Riley) vocalista da banda Joy Division, desde a relação com a sua mulher Deborah Curtis (Samantha Morton), com quem casou muito cedo e teve uma filha, à relação com a amante Annik Honoré (Alexandra Maria Lara), a luta e o inconformismo face à doença (epilepsia) e o medo do que o futuro lhe reservava enquanto artista em ascensão. Ian Curtis suicidou-se a 18 de Maio de 1980 com 23 anos, mas é impressionante a actualidade e proximidade desta figura.

Filmado em preto-e-branco, "Control" tem a maioria de suas músicas apresentadas ao vivo –e para essas cenas, Sam Riley e uma banda tocaram eles mesmos as canções.

O filme baseia-se no livro "Touching from a Distance", escrito pela viúva de Ian, Deborah Curtis

O filme tem excelentes interpretações do quase estreante Sam Riley e Samantha Morton. Destaco ainda a fotografia, a preto e branco, mas também a cinzento e o tom sombrio da película, tão próximos da personalidade de Curtis e do cinzentismo da sua história. E por fim, a excelente banda sonora com musicas dos Joy Division, New Order, David Bowie, Roxy Music, Velvet Underground...

Control inaugurou a mostra paralela Quinzena dos Realizadores do Festival de Cannes na véspera do 27º aniversário da morte de Curtis, que se suicidou com uns parcos 23 anos de idade.

Mar adentro

2008-07-11T13:38:00.003+01:00

Mar Adentro, é um filme que aborda a polémica temática da eutanásia. É um filme que mostra os dois lados da moeda, aqueles que são a favor, aqueles que são contra. Aqueles que aceitam, aqueles que entendem que amam e deixam partir. Alejandro Amenábar toca na sensibilidade e na fragilidade dos sentimentos de cada pessoa.
Este filme retrata o drama real vivido pelo galego Ramón Sampedro (Javier Bardem), um homem forte, inteligente e saudável que em um dia de sol, sua vida mudou completamente após um trágico enquanto fazia mergulho, que o deixou tetraplégico.
Apesar de estar preso a uma cama e dependente da sua família, Ramón não perde a sua capacidade de sonhar e pelo poder da imaginação consegue viajar pela janela do seu quarto até à beira do mar. Vivendo todo esse clima de desventura durante 26 anos Ramón decide quebrar o tabu e praticar a eutanásia, porém, seus amigos e sua família foram totalmente contra esta prática. Preso numa cama, Ramón se sentia inútil como aquele que só dava trabalhos aos seus familiares, em noites de depressão, o personagem afirmava que a vida que não pode ser vivida não é uma vida.
Ramón trava uma luta contra tudo e todos para obter aquilo que mais deseja, a morte. Rosa (Lola Dueñas) uma mulher do povo, que se sensibilizou pelo caso de Ramón e tenta em vão demove-lo da sua luta contra a vida.
Ramón lutou na justiça pelo direito de morrer, em busca da sua vontade o personagem encontra uma advogada chamada Julia (Belén Rueda) que sofre duma doença degenerativa disposta a ajudá-lo, porque ela também gostaria de passar pela eutanásia para parar o seu sofrimento.
Estas duas mulheres (Rosa e Julia) têm um grande impacto na vida de Ramón Sampredo, ambas se apaixonam por ele disputando-o. Ramón não perde a sua oportunidade de pedir a todos que o ajudem, e sabe no seu coração que só a pessoa que o amar verdadeiramente o poderá ajudar.
Logo depois o seu caso foi parar na mídia e isso fez com que a sociedade se manifestasse diante daquela situação, além da sua família, religiosos não se conformavam com a prática da eutanásia, os padres fizeram de tudo para que Ramón mudasse de ideia. Porém não era nada fácil ver um homem preso numa cama vivendo quase que obrigatoriamente.
Durante a dramática narrativa, Ramón entrou em confronto com a sociedade, a religião e até seus familiares a partir do momento em que ele tentou legalizar uma petição para que seja realizada a autorização da eutanásia sem comprometer nenhuma das pessoas que o ajudaram.
O filme retrata bem as diversas opiniões sobre o sentido da vida, é cheio de cenas chocantes, o filme também nos dá a oportunidade de se colocar no lugar da família através de depoimentos do irmão de Ramón, como por exemplo e até mesmo do próprio personagem principal.
Mar Adentro é um filme tocante e impressionante, pela força e alegria que Ramón passa a todos que passam pela sua vida. É sempre polémica a questão da eutanásia, é a luta do direito à vida e do direito à dignidade, mas que por mais que se possa falar, por mais teorias sobre o assunto, nunca vai deixar de ser controverso.Premiado com o National Board of Review e o Globo de Ouro e para Melhor Filme Estrangeiro, Grande Prémio do Júri e Prémio Melhor Actor (Javier Bardem) no Festival de Veneza, Melhor Realização e Melhor Actor nos Prémios de Cinema Europeu, «Mar Adentro» começou com a leitura que o realizador fez de «Cartas desde el infierno», o livro

Maria Full of Grace

2008-07-10T20:10:00.003+01:00

Maria Full Of Grace é uma obra que penetra numa realidade dura de encarar e de aceitar. Ver estas jovens, apenas representações desesperadas de milhares e milhares de outras que sacrificam a vida na perspectiva de um futuro melhor e mais digno, para elas impossível de alcançar por outro meio, é aterrador na sua crua figuração dramática de algo que continuamos a ignorar voluntariamente. Na sua primeira obra, Joshua Marston não só apresenta uma fulgurante estreia em cinema, realização e argumento que possui uma ténue índole de cariz teológico, já muito premiada inclusive nos Festivais de Berlim e Sundance, como também deixa a promessa de um futuro brilhante.
Maria (Catalina Sandino Moreno) de 17 anos vive numa casa pequena na Colômbia. É jovem e bela, com um fogo que alumia a sua entidade e quando descobre a sua gravidez não fica nada surpreendida com a reacção do seu infrutuoso namorado Juan (Wilson Guerrero). Enfastiada pela monotonia da vila decide trilhar um destino melhor para a sua vida. Ela despede-se do seu emprego e ruma cheia de sonhos para Bogotá com um homem que a convence a fazer bom dinheiro como “mula” (Transportando doses de cocaína no seu estômago até Nova Iorque)
Maria vê-se assim explorada pelo mundo da droga, levando consigo a sua melhor amiga Blanca (Yenny Paola Vega) e ambas recebem conselhos de Lucy (Guilied Lopez). Ela e Lucy escapam na alfândega apesar de suspeitarem delas, pois como estão grávidas não lhes podem passar a raio-X, Maria é levada para o perigoso e implacável mundo do tráfico de droga numa missão de sobrevivência, que ela terá de cumprir para abraçar os seus sonhos.
Joshua Marston filma todo este trajecto com particular intensidade, com destaque para as autênticas cenas de suspense no avião e no terminal de aeroporto. No entanto, os episódios ambientados nos EUA oferecem cenários não menos inquietantes, à medida que Maria se apercebe que as dificuldades não são automaticamente ultrapassadas na "terra das oportunidades".
Este é um filme sobre droga sem as habituais metralhadoras e perseguições alucinantes, sem aquelas estrelas célebres e efeitos visuais estonteantes. Ele foca-se no lado humano deste tema. É um filme que aceita e percebe a pobreza sem entrar numa de romantizar ou adornar o assunto. E realmente mostra-nos que o mal também surge por culpa de organizações, neste caso sistemas económicos.
A interpretação de Catalina Sandino Moreno é sublime. É uma carismática actriz que arrecada a nossa simpatia através da inocência e medo que irradia na sua face. Através do seu olhar exibe uma subtil tristeza cravada no âmago espiritual da sua personagem.
Maria Full Of Grace é soberbo por múltiplas e diversas razões, inclusive pelo seu controverso título e cartaz. É um perspicaz murro no estômago das pessoas que têm o prazer de o contemplar. Cria no espectador uma claustrofobia e tensão brutal, especialmente quando visionamos o acto de ingestão das doses e nos apercebemos que se os frágeis receptáculos rebentarem o seu portador morre imediatamente de overdose. O filme expele vida autêntica em todas as suas vertentes, numa atmosfera verosímil mostra-nos motivos e resoluções reais de personagens plausíveis.
O filme é uma envolvente obra indie com múltiplas cenas de antologia que insistem em permanecer no espectador, proporcionando uma experiência cinematográfica que, apesar de difícil digestão a espaços, é honesta, sufocante e memorável como poucas.

The Price of Milk

2008-07-10T13:06:00.002+01:00

The Price of Milk chega da Nova Zelândia e apresenta-se como uma deliciosa alternativa ao mercado norte-americano, realizado por Harry Sinclair que segundo as suas palavras "se há filmes repletos de efeitos especiais que não criam magia nenhuma, existem outros que sem qualquer tipo de efeito especial criam muita magia".
Lucinda (Danielle Cormack) e Rob (Karl Urban) são um casal perfeitamente feliz, terno e vincadamente apaixonados. Rob cuida das suas 117 vacas, que produzem todo o leite necessário à sobrevivência económica do casal. A paisagem em que a casa de ambos se insere é de um brilhante e carinhoso verde, sereno e convidativo. O filme começa com os dois na cama, adormecidos, com especial ênfase para o cobertor que os protege.
Misteriosamente, uma madrugada, o cobertor é roubada. Lucinda tenta fazer chegar a preocupação a Rob, que se mantém impávido e despreocupado. Inquietada e inconformada, a rapariga vai até à cidade encontrar a sua amiga Drosophila (Willa O'Neill) e, em conversa, esta aconselha-a a ter algumas discussões/brigas com Rob já que tal daria saúde à relação. Lucinda exagera, o casal zanga-se, separa-se, e, afinal, Drosphila está apaixonada por Rob. Pelo meio, Lucinda tem ainda tempo para atropelar uma idosa, que se virá a tornar o centro da sua vida.
O edredão tinha sido roubado por uma família algo excêntrica e misteriosa e a matriarca que é a senhora idosa que Lucinda atropelou só devolverá o edredão em troca da coisa mais valiosa que Lucinda possui, ou seja, as vacas, para desespero total de Rob. Depois de muitas peripécias Lucinda recupera as vacas por troca do que mais amava, pondo em risco por completo a sua relação com Rob. Eventualmente Lucinda aprende que na verdade o edredão, tal como o resto, não precisava de ser salvo.
Mais do que tentar perceber, deve-se antes tentar sentir o filme, aceitando sem cepticismo as belíssimas imagens que o realizador (Harry Sinclair) oferece. Só assim conseguimos ser transportados para dentro da magia que é o filme.
O filme realizado em 2000, venceu o Prémio da Crítica e foi nomeado para Melhor Filme no Fantasporto, foi ainda galardoado por mais duas vezes: primeiro nos New Zealand Film and TV Awards, e depois no Puchon International Fantastic Film Festival.

Delicatessen

2008-07-09T20:23:00.004+01:00

Delicatessen é uma fábula, em que a sua narrativa e o seu desenrolar aproximam se a um filme de terror.

O cenário passa-se numa França pós-apocalíptica. O dinheiro deixara de ter valor num mundo sem comida, e a troca directa ganha uma importância medieval. Um senhorio (Jean-Claude Dreyfus) vive à sombra desta desgraça, fornecendo aos seus inquilinos carne humana da melhor qualidade trocando-a no seu talho por produtos hortícolas e favores sexuais. Através de um anúncio num jornal, este talhante obtém as suas vítimas aliciando-as com trabalhos leves de manutenção. Maravilhados com a hipótese de uma vida melhor, as pobres almas que respondem ao anúncio acabarão invariavelmente no prato. A sua mais recente aquisição é um artista circense vegetariano chamado Louison (Dominique Pinon), um ex palhaço que faz com que Julie (Marie-Laure Dougnac) a filha do senhorio apaixonar-se e depois entra na história um grupo que vive no subterrâneo pois se nega a comer pessoas e vivem de comer lentilhas e milhos.

O grande valor de Delicatessen passa pela riqueza e detalhe nos pormenores e personagens. Desde o senhor que vive numa cave alagada alimentando-se de caracóis e sapos, à eterna suicida falhada que procura a morte através de complicados esquemas que fazem lembrar os desenhos animados do antigamente, à filha do talhante extremamente míope apaixonada pelo palhaço que lhe servirá de sustento, ao próprio palhaço, tudo está extremamente detalhado e pensado ao ínfimo pormenor. A trama muitas vezes prescinde de diálogo para manter o seu ritmo, e as sequências coreografadas tornam-se nos momentos mais memoráveis de Delicatessen. Destaque para a cena de sexo entre o talhante e uma inquilina que acaba por envolver involuntariamente todo o prédio e para o dueto entre um violoncelo e um serrote.

Delicatessen é a primeira longa-metragem de Jean-Pierre Jeunet que com esta pequena pérola de genialidade consegue transformar um acto tão repudiante como o canibalismo num momento de humor roçando a perfeição

Com uma atmosfera sinistra, o filme é fortemente marcado por sua força estética, desde os personagens caricatos filmados de modo a acentuar ainda mais sua estranheza, passando situações bizarras filmadas com ângulos não convencionais, até a fotografia que acentua o tom fantasioso e surrealista do filme.

Grande parte de seu êxito é devido a ótima atuação de Dominique Pinon, no papel principal como Louison, Jean-Claude Dreyfus como Clapet, o senhorio e Marie-Laure Dougnac como Julie Clapet, o par romântico de Pinon.

Delicatessen ganhou os Cesars de Director Estreante, Montagem, Direção de Arte, Roteiro, além de prêmios no European Film Awards, Fantasporto, Tokyo.

Garden State

2008-07-09T11:32:00.003+01:00

Garden State foi uma das surpresas de 2004 por várias razões. Primeiro: por vermos a estrela da serie Scrubs, Zach Braff, a escrever e realizar uma longa-metragem. Segundo: porque se saiu muito bem, conseguindo fazer um filme de qualidade que foi muito bem aceite, tanto pelo público como pela crítica.

Voltar a casa pode ser uma experiência aterradora, especialmente se o deixou de ser há muitos anos e a ligação com o passado é cada vez mais ténue,Andrew Largeman (Zach Braff) é um jovem actor de vinte e poucos anos que mora em Los Angeles e viveu toda a sua vida como se as suas emoções fossem esbatidas pela medicação que toma. Um dia a trágica morte da mãe fá-lo regressar à sua terra natal, Garden State, após nove anos de ausência e pela primeira vez decide experimentar deixar a medicação para ver como seria a sua vida sem estar dependente de nada.

O regresso a casa é um inevitável encontro com o pai Gideon Largeman (Ian Holm), do qual se distanciou muito e não consegue comunicar, procurando evitar a conversa que ambos precisam ter. Assiste um pouco de longe ao funeral da mãe, incapaz de exprimir as suas emoções através de lágrimas e afasta-se ao ver ao longe dois amigos de liceu, entre eles Mark (Peter Sarsgaard), que por ironia são os coveiros que enterrarão a sua mãe. Pouco a pouco, Large, como os amigos lhe chamam, vai descobrindo como a vida deles tomou caminhos diferentes do que poderia imaginar, o reencontro com os velhos amigos, que tomaram caminhos bastante diferentes do que a sua juventude fazia prever, é acompanhado pela constante fuga ao inevitável confronto com o seu pai. Entretanto, Large conhece Samantha (Natalie Portman), uma jovem mitómana diametralmente diferente dele. A sua vivacidade e a sua luta pela diferença opõem-se ao sonambulismo de Large. Enquanto este não consegue sequer derramar uma lágrima pela morte da mãe, Samantha chora por ela sem a conhecer sequer. O carinho e o carácter intrépido de Samantha serão a chave para que Andrew aprenda a sentir a alegria e a dor do abismo que é a vida.

Garden State é um filme introspectivo, existencialista, onde se espelha a angústia emocional que faz balançar ora a melancolia, ora a esperança dos jovens de hoje em dia.A amizade de Mark, juntamente com a ternura de Sam, marca ao longo do filme a redescoberta pessoal de Large, e este aprende a não ter medo de procurar a felicidade, apesar da dor do abismo que é a vida. De facto, as personagens estão bem interpretadas e cativam-nos cada uma à sua maneira.

No lado das interpretações, além de referir Zach Braff, ainda podemos contar com a talentosa Natalie Portman, naquela que muito bem ser uma das interpretações da sua carreira, mesmo que este filme seja discreto ao grande público. Emocional, criativa, doce e bizarra, Natalie Portman consegue ofuscar o seu colega Zach Braff quando partilha cenas com o mesmo. Quanto ao resto do elenco, Peter Sarsgaard é um actor a destacar numa melancolia agradável e carismática.

A personagem de Natalie Portman diz a certa altura que tem de existir em todos uma urgência de viver, mesmo que isso só implique desilusão e dor, porque é tudo o que realmente temos. Algo que Zach Braff depois repete para começar a encontrar-se, depois de 20 e poucos anos de letargia. É nesta aceitação de que nunca poderemos atingir o contentamento com que sonhamos que reside a chave para um novo estado de graça, onde poderemos finalmente substituir um vazio indecifrável por algo real.

História à parte, é de realçar alguns dos bons planos que podemos ver neste filme: Large confundindo-se com o cenário atrás de si ao vestir a camisa que uma amiga da mãe lhe fez, com os restos de um tecido horroroso da parede da casa de banho e a cena em que Large está numa festa com Mark e as pessoas começam a passar muito depressa à sua volta e só ele permance imóvel, dormente de espírito, alheio à realidade.

Poderíamos pensar que um jovem como Zach Braff na cadeira de realizador poderia significar uma fealdade às novas tendências ou simplesmente o uso da influência MTV, mas ao contrário do que se podia prever, o actor de Scrubs preenche com maturidade, filosofia e surrealidade á sua maneira num filme simples e terno.

Uma das razões para o sucesso foi a excelente banda sonora que se funde na perfeição com o filme. A compilação das músicas foi feita pelo próprio Zach Braff e, segundo ele, são um conjunto de músicas que ele sentia que estavam a marcar a sua vida na altura em que escreveu o argumento. A grande parte das músicas pertencem a bandas de Indie-Rock, como The Shins e Zero 7.

O filme de Zach Braff é uma surpresa no campo da comédia dramática, um filme invulgar mas vivo, inteligente mas descontraído, uma das obras ímpares do cinema americano do ano 2004.

Les Visiteurs

2008-07-09T09:45:00.003+01:00

Les Visiteurs (Os Visitantes) é um dos maiores fenômenos de bilheteria do cinema francês em todos os tempos, com mais de 10 milhões de espectadores só na França. Uma comédia hilariante estrelada pelos astros Jean Reno e Christian Clavier.
No ano de 1123, o Conde de Montmirail (Jean Reno) um cavaleiro da Idade Média recebe o direito de se casar com uma garota da nobreza por ter salvado a vida do rei da França. Mas o Conde de Montmirail vê-se envolvido nos feitiços de uma bruxa mal intencionada, e o pai da futura esposa do nobre cavaleiro é assassinado por este, por este o ter confundido com um urso, graças a um feitiço da bruxa. Como forma de remediar o sucedido, o Conde e o seu servo Jacquouille la Fripouille (Christian Clavier) consultam um feiticeiro (Pierre Vial) que os vai fazer andar no tempo para que possam voltar atrás e mudar o curso da história. Contudo, o feitiço corre mal e estes dois homens rudes, porcos, medievais vão parar na França de 1993 onde são confrontados com as diferenças culturais das duas épocas diferentes e onde vão ao mesmo tempo, encontrar os seus descendentes enquanto eles vão tentando voltar ao passado.
Jean-Marie Poiré retrata neste fabuloso filme o choque cultural entre alguém da Idade Média e a sociedade contemporânea com um senso de humor. Cada cena tem um senso de humor tão preciso que faz querer assisti-lo para sempre. A actuação de Christian Clavier, também faz querer assisti-lo durante uma eternidade.
Grande parte do humor gira em redor da obscenidade da Idade Média onde as pessoas só tomam banho uma vez por mês, os seus dentes podres devido á má higiene.
Há cenas que hilariantes e bastante originais, como quando o Conde de Montmirail e Jacquouille la Fripouille começam a lavar a cara na sanita, devido ao desconhecimento das suas funções ou quando se dá a passagem de um período da história para o outro, quando os dois homens medievais são confrontados com uma estrada de alcatrão e um carro que passa onde começam imediatamente a destruir lo, as cenas da altura de jantar onde Jean Reno atira a Christian Clavier restos de comida como se de um cão se tratasse enquanto debatem o porquê da aristocracia feudal ser uma coisa boa, a anarquia no hotel, as tentativas para cozinhar um assado com um guarda-chuva e quando Christian Clavier começa a aperceber-se o que acontece quando ele tenta puxar as lâmpadas eléctricas das tomadas.

Les Visiteurs é uma das melhores comedias do cinema francês com um humor muito propio criado por situações hilariantes e pelo excelente desempenho de Jean Reno e Christian Clavier.

Metropolis

2008-07-09T09:15:00.002+01:00

Metropolis estreou em 1927, realizado por Fritz Lang (que fugiu para Hollywood, após Hitler o convidar para dirigir a indústria cinematográfica nazi, através do seu chefe de propaganda Joseph Goebbels) é um dos profetas da Sétima Arte. A sua visão revolucionária e as suas raízes artísticas transferiram plateias para o futuro. Durante a era do cinema mudo, Fritz Lang teve a oportunidade de expandir as suas visões pelos primais espasmos de filme noir, de thrillers paranóicos de espionagem e de ficção científica épica.
Com a sua explosiva fusão de acção futurista, subcamada política, coordenadas religiosas e encenação sensual, a película foi sempre afamada, mesmo na sua forma mutilada. Metropolis passa se em 2026 e ilustra uma sociedade futura, que tal como os mundos da Ópera Alemã é dicotómica, dividida entre deuses e mortais. A burguesia hedonística vive numa gloriosa metrópole com traços arquitectónicos visionários e o proletariado labuta no subsolo para manter a refulgência da cidade. Quando Freder (Gustav Fröhlich), filho do administrador da cidade Joh Frederson (Alfred Abel), se aventura sob a superfície pela primeira vez, após tomar contacto com a bela e pura Maria (Brigitte Helm), fica chocado com a sua descoberta. Maria apregoa o surgimento de um mediador para reconciliar as duas metades da sociedade, mas enquanto Freder se apaixona por Maria, o seu pai julga que a influência da rapariga junto dos trabalhadores poderá ser prejudicativa e projecta junto do cientista Dr. Rotwang (Rudolf Klein-Rogge) um clone robotizado de Maria, para a substituir. O conto é uma mistura de alegorias religiosas (a revolta dos operários é liderada por uma figura de Madonna – Maria – que os coloca em contacto com o salvador) com a luta de classes sociais. O moral da história é: “O mediador entre a mente e as mãos é o coração”. A mente representa os intelectuais da sociedade, as mãos são o proletariado e o coração será a compaixão humana que unirá os dois pólos em concordância.
Visionar “Metropolis” significa depararmo-nos com fantasmas do futuro, sejam eles sociais ou cinematográficos, o elemento temático ilustra o fosso entre a classe operária e as hierarquias superiores, a revolta operária exibida pelo filme que coloca em risco a vida das suas crianças e o futuro. Eram os primeiros passos no Cinema da relação Homem Máquina, aludindo às repercussões das máquinas na sociedade, com Fritz Lang a dramatizar estilisticamente a profunda ambivalência de um futuro artificial, retratado com exaltação e inquietação.
Metropolis é considerado por muitos como o primeiro grande filme de ficção científica, existe uma panóplia de cenas memoráveis, desde explosões, inundações, uma célebre dança lasciva, a Torre de Babel, o auto da bruxa na fogueira, a sincronia aterradora de uma infindável coluna de operários a laborar, a pose de Freder na máquina do relógio assemelhando-se a Cristo na cruz, a monstruosa máquina M revelada num momento fantasista para encarnar o fenício deus Moloch, do Antigo Testamento Bíblico, em honra do qual mães imolavam os próprios filhos. O filme abona ilustres visuais sumptuosos, minuciosamente delineados para conduzir a história. Desde as espirais que vibram Arte Deco ao longo dos seus segmentos, aformoseando a cidade, até ao labiríntico antro subterrâneo dos operários, Metropolis é um influente, inspirador e deslumbrante espectáculo cinemático, portador de primorosos artefactos que poderiam constar em galerias de Arte Moderna. O filme é maioritariamente Arte Deco onde manifesta o tradicional padrão geométrico da respectiva Arte um pouco por todo o lado, desde a entrada do clube nocturno Yoshiwara ou na mobília do escritório de Joh Frederson.

Metropolis cativa com a sua direcção artística inspirada, pois visionamos os actores contraindo os olhos para indicar medo, arregalando-os para evidenciar espanto, batendo literalmente o peito para demonstrar paixão, retesando a fisionomia para expressar cólera. Metropolis é um exemplo categórico do Expressionismo Alemão. A ambiguidade da sua visão originou um sortido de interpretações, desde um alerta contra o despotismo fascista até à tirania capitalista, contudo Metropolis deverá ser encarado como a alegoria de uma época de aflição. Mesmo para os parâmetros do cinema mudo, Fritz Lang fez de Metropolis um dos filmes mais operativos de sempre, resultando num altamente estilizado ballet industrial.

Nosferatu, eine Symphonie des Grauens

2008-07-08T23:31:00.002+01:00

Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens é um clássico do cinema mudo.
Em 1921, F.W. Murnau decidiu fazer um filme de terror, que seria a primeira adaptação do romance de Bram Stoker, "Dracula". No entanto como os direitos de utilização da obra foram-lhe negados, F.W. Murnau simplesmente mudou o titulo para Nosferatu, e os nomes das personagens, sendo "Count Orlok" o nome do Dracula, prosseguindo assim com a produção do que viria a ser um clássico do género do terror. Mais tarde, devido a um processo em tribunal com a viúva de Bram Stoker, todas as películas que continham o filme foram queimadas, havendo no entanto, felizmente, algumas que se salvaram. Ainda que não seja a história original de Drácula, as semelhanças são inevitáveis. Max Schreck (misterioso actor que encarna a personagem de Orlock) e F.W. Murnau conseguiram criar uma imagem do vampiro que iria permanecer para sempre no imaginário de alguns.
O vampiro Count Orlok (Max Schreck) expressa interesse em adquirir uma nova residência e recebe a visita do agente imobiliário Hutter (Gustav von Wangenheim), que faz a viagem ignorando os avisos do povo sobre as forças do mal que coabitavam aquele castelo. Orlok ganha então um particular interesse em Ellen (Greta Schröder), esposa de Hutter, partindo então para a cidade, arrastando a peste com ele. As essências das histórias de terror que percorreram o mundo durante séculos são aqui mantidas: cidades medievais, símbolos religiosos, as doenças mortais, a histeria em massa, os castelos, os navios assombrados. Um ambiente arrepiante.
Nosferatu, eine Symphonie des Grauens é um filme surpreendente, por ser o pioneiro filme de vampiros, que possui uma ausência de clichés recentes como por exemplo Orlock aparece reflectido num espelho, não há dentes caninos relevantes, a dentada é na zona central do pescoço e não há setas nem balas de prata.
Muitas histórias são contadas a propósito da personagem interpretada por Max Schreck, que se tratava de um vampiro verdadeiro. Histórias aparte, a verdade é que a maior parte da equipa de filmagens nunca o chegou a ver sem a caracterização do vampiro. A cena em que a sua sombra é projectada na parede enquanto lentamente sobe as escadas, fica na memória de qualquer um de nós. Aquele aspecto desengonçado, as orelhas em bico, as unhas longas e os olhos, que nunca piscaram durante o filme, afundados na sua cara.F.W. Murnau foi um pioneiro, e um dos melhores realizadores alemães de sempre. Nosferatu é um filme excitante que tem qualidade e merece ser reconhecido.

Tuvalu

2008-07-08T22:47:00.002+01:00

Uma fantástica viagem ao mundo dos sonhos. Um filme estranho surreal, original, de uma beleza hipnótica.
Tuvalu é uma obra altamente premiada, um pouco obscura, e simplesmente apaixonante, é um filme sonhador, que nos transporta a um delirante mundo de fantasia decadente. Numa cidade europeia em ruínas, Anton (Denis Lavant) vive a sua vida sonhando com o mar e tratando da piscina onde o seu pai, apesar de cego, é salva-vidas. A piscina é um mundo decadente de azulejos a cair, paredes onde a tinta se descola em flocos e telhados cheios de buracos por onde cai a chuva. A economia está má, a paisagem é apocalíptica, e a piscina só funciona para que o pai de Anton se sinta vivo. O som dos clientes da piscina é dado por uma velha gravação, que engana o pai de Anton, que na sua cegueira crê que na piscina de àguas paradas está cheia de crianças a brincar dentro da água morna. Gregor (Terrence Gillespie), o irmão de Anton, é um capitalista que pretende demolir a piscina para construir um grande bairro de arranha-céus futuristas. Para isso, suborna um inspector de sanidade para fechar a piscina e obrigar Anton a vender o decrépito edifício a Gregor. A chegada de Eva (Chulpan Khamatova) e do seu pai, um marinheiro dono de um barco semi-afundado, vai desestabilizar Anton, que pela primeira vez na vida se apaixona. Mas as coisas não correm muito bem; Anton é ingénuo, e as constantes traições de Gregor fazem com que Eva pense que Anton é o culpado pela morte do seu pai. Eva tenta recuperar o barco do pai, mas para isso precisa de uma peça de uma máquina rara, da qual só existe outro exemplar na caldeira da piscina. Apesar de todas as peripécias, tudo acaba por correr bem; e Anton e Eva reúnem-se no sonho de partir para Tuvalu, um destino sonhado, um mundo cheio de promessa longe da decrépita terra onde vivem.
O estilismo cenográfico decadente e apurado está sempre presente em todas as memoráveis cenas de Tuvalu. E algumas das cenas deste filme fabuloso são, simplesmente fabulosas. A cena em que Eva nada à noite na piscina vazia, nadando com o seu peixinho de estimação, é impressionantemente onírica, com o corpo da mulher intersectado pelo peixe num lusco-fusco azulado. Outra cena memorável é a do funeral do pai de Anton, numa procissão fúnebre em que o féretro com o cadáver em exposição navega pela piscina, numa perfeita metáfora de transição e rumo a uma nova existência.
Tuvalu é mais do que um exercício estilístico de argumento onírico e cenários atraentes. Tuvalu é um filme mudo, mas com uma banda sonora fascinante. Os actores levam ao limite as suas capacidade artísticas, e representam apenas através da expressão corporal. Só quando é mesmo imprescindível é que falam, e quando o fazem, utilizam uma espécie de língua internacional que reúne palavras de muitas línguas.
A própria história da génese de Tuvalu é tão interessante como o filme. Veit Helmer, o realizador, teve imensas dificuldades em convencer os produtores de cinema em investirem num filme mudo. Veit Helmer lançou-se numa odisseia verdadeiramente intercontinental em busca de cenários e técnicos acessíveis, encontrando em Sófia, na Bulgária, um verdadeiro paraíso cinematográfico de cineastas e técnicos experientes, sem esquecer cenários apropriadamente decrépitos, a condizer com o previsto no guião. Liberto de constrangimentos linguísticos, Veit Helmer recrutou um grupo verdadeiramente internacional de actores, onde pontuam actores alemães, americanos, búlgaros, russos e franceses.Tuvalu é um filme de culto. Visualmente perfeito, feérico e imaginativo, Tuvalu é um filme realizado por sonhadores, destinado a sonhadores.

Elephant

2008-07-08T09:45:00.003+01:00

O filme Elephant, do americano Gus Van Sant, recebeu hoje a Palma de Ouro do 56º Festival de Cinema de Cannes. Gus Van Sant também recebeu o prémio de melhor realizador do festival.
Ao receber a Palma de Ouro, Gus Van Sant afirmou que durante anos quis apresentar um filme no Festival de Cannes e terminou seu agradecimento com um "Viva a França!"
O nome do filme faz referência a uma parábola budista na qual vários cegos tocam um elefante, e cada um o descreve de acordo com a parte que tocou, a pata, a cauda, a orelha ou tromba, mas nenhum é capaz de imaginar o animal em sua totalidade. Este filme que tem um fundo verídico, é um filme onde se conta a história de dois jovens digamos que perturbados, que decidem, certo dia levar armas para a escola de Liceu de Columbine, e matar uns tantos alunos.
É uma história é muito boa, um filme inspirado numa história real é onde mostra que alem da história tem uma moral muito boa devido a mostrar que a vida é muito boa para se perder e para se desistir dela.
A grande mais valia deste filme perturbante, é a câmara poética, e ao mesmo tempo distante, de Gus Van Sant. Em Elephant, a imagem tem o seu tempo respira e contempla, criando a ilusão do real. Mas esse tempo por vezes, é distorcido a belo prazer pelo cineasta, com constantes flashforwards que trocam as voltas ao espectador, mas que nunca o confundem, mas sim surpreendem pela audácia. Uma palavra também para os pontos de vista dos personagens, que são fulcrais à construção da tensão, esbarrando uns nos outros e ao mesmo tempo complementando-se.
Na sua forma de realização está bem elaborado pois mostra-nos a vida de vários jovens no, ao que tudo indicava, o seu normal dia de aulas. Eli (Elias McConnell), John (John Robinson), Acadia (Alicia Miles), Michelle (Kristen Hicks), Brittany (Brittany Mountain) e Jordan (Jordan Taylor) são alguns desses jovens. Seguimos o percurso de cada personagem muito lentamente, eles a andarem pelos longos corredores, de costas para o público, pelos longos corredores da escola, a repetir várias vezes a mesma cena. Na minha opinião um filme com uma realização diferente. e um impressionante clima criado por Gus Van Sant, aliado à calma, em que se vai passando o dia naquela escola, pressentimos ao mesmo tempo que algo de terrível vai acontecer.
Um liceu onde parece que é um pouco banal, mas revela um pouco de frieza, isto é apesar de ser um mero liceu parece que este tem algo obscuro.É de salientar que Gus Van Sant não utilizou um guião, mas sim um outline para que os não actores pudessem ter a liberdade de aplicar as suas próprias personalidades nos personagens.

Dancer in the Dark

2008-07-07T13:33:00.001+01:00

Dancer in the Dark é um Musical dirigido e criado pelo polémico Lars von Trier, o filme venceu o Festival de Cannes, em 2000, e revelou o talento de Björk como actriz, também premiada na competição.
À medida que seguimos Selma (Björk), uma emigrante checoslovaca os Estados Unidos da América dos anos 60, vemos uma mulher que se batalha diariamente para dar ao seu filho a vida que ela nunca poderá ter, enquanto vai inevitavelmente perdendo a vista até à cegueira, fruto de uma terrível doença hereditária que se espalhará ao seu filho caso ele não seja operado. Por isso a cada dia que passa, Selma vai-se esgotando cada vez mais no trabalho que possui na fábrica e numa série de outros biscates e enquanto o tempo a atravessa sem misericórdia, ela vai sonhando acordada como se a sua vida pudesse irromper num musical.
É esta paixão de Selma que a vai guiando e tornando a vida suportável nos piores momentos: a fantasia da viagem a um mundo paralelo onde a alegria reina, as pessoas dançam e nada pode assolar o cintilar dos sorrisos e das vozes que preenchem todos os espaços cantando em plenos pulmões. Quando regressa à realidade, o amor que tem ao seu filho é a única força que a move diariamente, trabalhando exaustivamente, mesmo quando a sua visão é quase nula. E a pureza da vida desta mulher é invadida atrozmente pela traição e o engano, num lugar onde a esperança não possui qualquer futuro. Num dos momentos em que se refugia na música, Selma afirma que já viu tudo e que nada mais há para ver, carregando um desgosto trucidante no peito. A interpretação de Björk é uma das mais inesquecíveis do cinema contemporâneo e decerto que será relembrada para todo o sempre pela sua enormidade dramática. O retrato que a islandesa faz de Selma é dos mais comoventes e honestos de que há memória e no final não restam mais lágrimas para chorá-la, tal é a violência da transfiguração de Björk no papel. Violenta ao ponto da cantora necessitar de um exílio de meses e meses após a feitura do filme e a promessa que seria a sua única experiência enquanto actriz, mesmo depois de ter vencido o prémio de melhor interpretação feminina em Cannes. A música, composta e interpretada pela mesma, é de uma beleza imersa na mais dolorosa tristeza. “I’ve seen it all” e “New World” constarão inevitavelmente numa lista das mais simultaneamente penosas e extasiastes do cinema.
Uma das razões da crueza do filme é a falta de compaixão de Lars von Trier para com as suas actrizes durante as filmagens levando-as diversas vezes a um ponto intolerável de ruptura. A técnica é quase desumana e os resultados são visíveis no ecrã. A intensidade da história e da personagem principal é como uma tortura emocional levada até à exaustão. Mas é nesta rejeição de paternalismos e indulgências insolúveis que o cinema de Lars von Trier se eleva e penetra nas mais dolorosas feridas que possam existir no mapa emocional de cada um de nós. Porque só através dessa frieza e sinuosidade se consegue encontrar uma cura que ajude a perspectivar a amplitude e consequências da própria dor enquanto motor da Humanidade.
Lars von Trier é um manipulador de emoções. É, pois, compreensível que se gerem ódios por parte de quem não gosta de ser emocionalmente seviciado. Na meia hora final de filme, quase podemos imaginar o realizador na mesa de montagem com um riso algo sádico, murmurando “sofram, sofram!” Mas mais se deve acrescentar: Lars von Trier é um excelente manipulador de emoções. O resultado talvez se deva em pelo menos 80% a Björk, e à sua entrega total ao papel para o qual parece ter nascido. O excelente desempenho da cantora islandesa contribui para que se acentuem os papéis apagados de outros actores, como o de Catherine Deneuve e de Peter Stormare.
O cinema de Lars von Trier continua a ser uma incógnita indecifrável do cinema europeu. Venerado por uns e odiado por outros, o cineasta dinamarquês não tem medo de confrontar os seus próprios medos, angústias e revoltas e fá-lo através dos seus filmes. O mundo de Lars von Trier é agreste e inóspito, onde nunca em qualquer momento se sente qualquer nível de conforto e redenção… não há na sua filmografia buscas de finais felizes idealizados ao máximo para embalar o público, a realidade é tremenda e insuportável na sua descida ao purgatório da natureza humana. Os demónios estão todos presentes e tudo se reduz a uma simples questão: de querer ou não enfrentá-los e olhá-los nos olhos. Talvez seja aqui que se dividam os seguidores e os dissidentes, que insistem a acusar Lars von Trier de pessimismo extremo. A verdade é que o realizador não espera muito da Humanidade, mas será isso uma tão grande ilusão?
A estrutura do musical flui com grande naturalidade. O recurso é justificado pelo amor da Selma por aquele género cinematográfico; perante todo o seu sofrimento, aí se tenta refugiar pois num musical nada corre verdadeiramente mal. Mas a realidade é bem diferente. Não há um crescendo musical, nem uma grua a subir centrando-se na protagonista rodeada de dezenas de bailarinos sorridentes, precedendo os créditos finais. O “número final” tem uma força dramática invulgar, surgindo no desenrolar de uma sequência de momentos emocionalmente devastadores.

Mulholland Dr.

2008-07-06T13:35:00.003+01:00

David Lynch reinventa-se a si mesmo neste onírico conto de uma mulher minada por sonhos não concretizados. Numa estrutura que mais se assemelha a um gigantesco mas inebriante puzzle, Mullholland Drive promove uma imagética simbólica da cidade de Los Angeles e mais especificamente de Hollywood, o lugar onde sonhos se desfazem e pesadelos emergem, muito inspirado em Sunset Boulevard de Billy Wilder. Uma soturna viagem pelo subconsciente de Diane (Naomi Watts), uma das maiores revelações de sempre e alguém que se viu lentamente privada da sua essência e consumida pelo lado negro que mora em todos nós. A visão única e insuperável de David Lynch fazem de Mulholland Drive um dos mais sombrios e geniais objectos de cinema dos últimos anos, um reflexo involuntário da besta que existe nos meandros mais profundos da consciência humana.
Rita (Laura Harring), procura a memória perdida, ao mesmo tempo que tenta perceber porque é que alguém anda à sua procura, com intenções de a matar. Betty (Naomi Watts), uma jovem mulher recém-chegada a Los Angeles, com intenções de se estabelecer como actriz, vai ajudá-la na investigação. Adam Kesher (Justin Theroux) é um realizador de cinema a quem é imposta uma actriz para o papel principal do seu novo filme. A recusa tem consequências drásticas no seu bem-estar físico e económico. Mistérios insondáveis da mente humana (de David Lynch ou de uma das suas personagens) envolvem o principal fluxo narrativo, adicionando ingredientes como um estranho cowboy, um night-club que, numa aparente redundância, encena o artificial ou sonhos de outrem, sobre o terror escondido nas sombras das traseiras de um café.Mulholland Dr. foi concebido como um episódio piloto de cerca de duas horas, destinado a ser exibido pela cadeia norte-americana ABC, no Outono de 1999. David Lynch resistiu o que pode, mas concluiu que o “controle criativo” que lhe era atribuído por contracto, vinculava a produtora, mas não a ABC, a qual poderia recusar o produto ou exigir alterações. Na prática, não detinha o “final cut”. Assim, mesmo depois do realizador efectuar uma montagem em que sentiu estar a trair a sua obra – consolado com a recuperação do material extirpado no desenvolvimento da série – a ABC viria a rejeitar o piloto, considerando eventualmente transformá-lo num telefilme, além de o projectar em salas de cinema europeias (algo que estava previsto inicialmente no contrato).O descalabro do projecto ocorreu por altura da exibição de «The Straight Story» (1999) em Cannes. Os produtores franceses desse filme, Alain Sarde e Pierre Edelman , viram o piloto de Mulholland Drive e quiseram transformá-lo num filme, reunindo para tal mais 7 milhões de dólares. Sob a asa da Studio Canal, que adquiriu os direitos, Lynch revisitaria a história dois anos depois, acrescentando cenas, voltando a filmar outras e concebendo uma conclusão inteiramente nova. O filme estreou nos EUA distribuído pela Universal. Apesar dos contratempos em redor da criação de Mulholland Dr. o objecto finalizado para projecção em salas de cinema não denota a existência de quaisquer espécie de remendos. O estilo narrativo de David Lynch, fundado numa lógica que se recusa a distinguir o real do imaginado, aliado a uma estrutura que subverte a lógica linear temporal, polvilhado por flashbacks e flashforwards, visões, pesadelos, sonhos dentro de sonhos e abstracções sem aparente resolução, mostrou ser o ideal para tal conversão.

Joyeux Noël

2008-07-05T06:29:00.002+01:00

Joyeux Noël (Feliz Natal) realizado por Christian Carion, conta a verdadeira história da trégua de véspera de Natal declarada pelas tropas escocesas, francesas e alemãs nas trincheiras da Primeira Guerra Mundial, onde os inimigos deixaram suas armas por uma noite e se juntaram em fraternidade e esqueceram as brutalidades da guerra. Um filme onde Diane Kruger , Daniel Brühl e Benno Fürmann lideram um elenco internacional de primeira linha neste filme realmente poderoso.
Quando uma guerra eclode na acalmia de Verão 1914, surpreende e arrasta milhões de homens, na sua esteira.
Nikolaus Sprink (Benno Fürmann), um cantor de ópera que num concerto é interrompido por um anúncio em que a guerra já começou a partir de um oficial alemão que foi montado o palco. Sprink tem de deixar Anna Sörenson (Diane Kruger), sua parceira de canto e amante, depois de ter sido chamado para a guerra. Ela junta-se a Sprink nas trincheiras na véspera de Natal e decide que seria bom para a moral das tropas alemãs ouvi-los cantar. Nessa fatídica noite de véspera de Natal os escoceses com as suas melodias de Natal tocadas pelos tocadores de gaitas de foles dão o primeiro passo de um sentimento que acabaria por levar os homens a saudarem se como irmãos e festejarem o Natal. Depois de ouvir os Escoceses a realizar a sintonia de Natal, os Alemães começaram espontaneamente aplaudir. Inspirado pelos Escoceses, Sprink e Sörenson respondem com um dueto. Neste ponto, Sprink que com uma iniciativa que desafia a morte avança em direcção ao trincheiras inimigas cantando "Stille Nacht" (Silent Night).
Ao longo das próximas 24 horas, a guerra chega ao fim no campo de batalha onde os soldados vão confraternizando e mostrando mutuamente fotos de esposas e amantes, jogando futebol, bebendo licor uns dos outros e jogando cartas.
Eventualmente caídos na realidade e eles são obrigados a voltar a matar uns aos outros. Nao conseguindo voltar a combater o inimigo que confraternizaram na noite de Natal, os soldados são julgados por actos de traição pelo seu Pais.Uma nomeação para o Óscar de Melhor Filme de Línguas Estrangeiras, para este formidável filme que conta um evento real, e que deixa a maravilhosa mensagem de que existe sempre Natal mesmo nas piores condições Humanas.

Brutti sporchi e cattivi

2008-07-04T22:27:00.002+01:00

Brutti sporchi e cattivi (Feios Porcos e Maus) foi realizado em 1976 por Ettore Scola é um daqueles filmes mesmo surpreendentes. É uma comédia abrasiva sobre as relações humanas, do piorio, de uma família do que se pode chamar de um bairro de lata em Roma. O título já deixava antever que algo não iria bater certo durante a passagem da fita. E a conclusão final é mesmo só essa: são feios, porcos e maus...
O filme começa quando uma inocente e delicada menina nos conduz até um dos vários casebres do lugar. Tão pequenininho...De repente, um susto. 5,10,15... umas 20 pessoas amontoadas na pequenina casa, espremidos e espalhados em cada minúsculo canto, feito lixo, um lixo móvel, digamos assim, enquanto cinco dormem no canto, outras seis estão copulando, feito ratos com cio, em outro. Um completo e angustiante caos humano.
A história gira à volta de Giacinto (Nino Manfredi) um ex-operário que mora com a esposa, os dez filhos, as noras, os genros e netos, para além da mãe inválida e senil, numa barraca num bairro de lata em Roma onde todos os membros da família têm de comer, dormir e ter relações sexuais na mesma divisão da barraca. Giacinto que depois de ter perdido um olho num acidente de trabalho para receber uma indemnização do seguro, fez com que as suas preocupações acrescessem uma vez que os seus familiares, ambicionam ficar com o seu dinheiro na quantia de um milhão de liras. Giacinto então vive obcecado em esconder dos seus familiares o dinheiro e passou a dormir com uma espingarda à mão e com o olho vivo desperto para caçar quem se aproximasse do seu tesouro, enquanto os seus familiares vivem obcecados a tentar sacar-lhe o mesmo. Mas o confronto final, surge quando Giacinto decide levar para casa uma prostituta e fazer dela sua amante! Cresce a tensão e a revolta da família em relação a Giacinto, o homicídio parece ser o meio encontrado de recuperarem o dinheiro que ele começava a esbanjar em presentes com a nova amante. Um almoço de reconciliação é o pretexto para pôr em marcha o plano. Ele sobrevive a um prato de macarrão com raticida e a família continua (des)unida como sempre.
Os protagonistas são Feios Porcos e Maus como a miséria e convincentes nas suas ambições conformadas e parcas.
Todo o ambiente está feito ao pormenor, criando uma familiaridade tal com um mundo tão estranho para o espectador que, rapidamente sentimo-nos a entrar na casa pilhada de gente como mais um ao monte!
Ettore Scola expõe nos a algo muito mais caótico do que a numerosa família de Giacinto que, a todo o momento tenta roubar-lhe o seu milhão de liras. Ettore Scola na verdade constrói, com o melhor da tradição neo-realista, uma crítica debochada às desigualdades sociais italianas, abusando, para isso, de um humor negro e agressivo, capaz de chocar os mais desavisados com as inúmeras cenas de violência e nudez que permeiam todo o filme.
O filme consegue a difícil proeza de nos arrancar gargalhadas da indigência que testemunhamos, sendo este o grande mérito de uma obra que nunca se assume como comédia. É impossível resistir à ironia de Ettore Scola que, através desta descrição com cariz de critica social, espelha com autenticidade o aspecto feio, porco e mau da pobreza nua e crua.

Poltergeist

2008-07-04T10:13:00.003+01:00

"Eles estão aqui". Foi com esta frase que a atriz mirim, então com sete anos, Heather O'Rourke apresentou ao mundo um dos melhores filmes de terror da história, Poltergeist de 1982. Criado e produzido pelo cineasta Steven Spielberg e realizado por Tobe Hooper, o filme marcou época e continua sendo classificado como uma das melhores produções do gênero.

O filme inicia-se muito bem, com um bom ritmo, humor á mistura e uma exploração dos terrores infantis excepcional, Steve Freeling (Craig T. Nelson) e Diane Freeling (JoBeth Williams) têm ultimamente observado fenómenos bastantes estranhos ocorridos dentro de sua casa, objectos que movem sozinhos e de maneira estranha, mudanças climáticas repentinas, espectros e vozes.

O que parece sem importância logo toma proporções trágicas quando durante uma noite chuvosa, a pequena Carol Anne (Heather O'Rourke) desaparece misteriosamente. Vista pela última vez no quarto onde dormia, a garota simplesmente desaparece do mundo físico sendo levada para uma dimensão paralela. A única forma de contato que a família consegue ter com a menina será através de uma televisão ligada em um canal sem sintonia e que por este motivo está aberto para receber sinais e ondas de vários tipos e freqüências.

Procurando auxílio, a família vai recorrer à parapsicóloga Dra. Lesh (Beatrice Straight) e posteriormente a vidente Tangina Barrons (Zelda Rubinstein). Esta última vai ter fundamental importância para a trama por servir como elemento de ligação entre o mundo físico e o espiritual, além de apresentar o motivo pelo qual a garota tenha sido escolhida por estes espíritos. De acordo com Tangina, Carol Anne representa uma presença viva no plano espiritual onde está sendo mantida e que estas almas que estão com ela vêem na energia vital da criança a força que eles não possuem, mas que passam a ter por estarem com ela. A vidente ainda alerta a família para uma terrível presença que sentiu próximo da garota e que é forte o suficiente para fazê-la vagar numa dimensão paralela definitivamente caso algo não seja feito.

O filme Poltergeist fez enorme sucesso de público e de crítica. Grande parte deste fenômeno de bilheterias se deu pela combinação de vários elementos que fazem a produção parecer um filme de terror de luxo. A história, bem construída, tem seu desenvolvimento feito de forma eficaz. Os efeitos especiais criados pela Industrial Light & Magic (ILM) de George Lucas são muito bem realizados, demonstrando um cuidado grande com a parte técnica. A bela trilha sonora composta pelo excelente Jerry Goldsmith foi indicada ao Oscar, assim como para efeitos sonoros e efeitos especiais. O sucesso da película também acontece pelo eficiente clima de medo que é construído durante o filme até o apoteótico final. Medo este que não é criado simplesmente através de cenas fortes, mas por situações que conduzem o espectador quase a um medo infantil, como os filhos do casal Freeling, tal como o pavoroso palhaço que fica no quarto das crianças, a piscina de esqueletos, a primeira aparição das entidades espirituais, entre tantas outras.

A velha história da casa assombrada marcou pela excelente forma como foi conduzida pelos seus realizadores, por possuir autênticos momentos de medo, além de um elenco impecável e também pelo trágico desfecho da actriz Heather O'Rourke que faleceu repentinamente logo após terminar de gravar o terceiro capítulo da série (Poltergeist3), em 1988, aos 12 anos.

Life of Brian

2008-07-03T23:25:00.002+01:00

Life of Brian conta a história de um jovem nascido na Judeia no dia 25 de Dezembro no estábulo ao lado de Jesus, passando toda a sua vida a ser confundido pelo Messias.

Life of Brian foi realizado em 1979 e é uma da mais conhecidas e divertidas comédias dos Monty Python, o Filme passa-se na Judeia no ano 33 D.C., tempos de pobreza e caos, mas ricos em inúmeros messias, secundados por multidões de fiéis e Romanos exasperados a tentar impor alguma ordem. No centro da intriga está Brian Cohen (Graham Chapman), um reletante messias que ascende a eminência como resultado de uma série de circunstâncias hilariantes. Agora é criada a oportunidade para todo o grupo (John Cleese, Eric Idle, Terry Gilliam, Terry Jones, Michael Paline Graham Chapman) brilhar em múltiplos papéis enquanto ridicularizam tudo e todos desde os ex-leprosos, passando por Pôncio Pilatos, falsos profetas, centuriões Romanos e até a crucificação.

É um filme muito divertido. Mas é divertido de uma forma diferente da maioria das comédias da actualidade. É inesperado, é nonsense, e quase sempre deliciosamente louco e subversivo. Mas o mais fascinante é que por detrás de toda a loucura aparente existe sempre um sentido crítico. É como se cada gag tivesse dois momentos. Um primeiro momento, mais físico e visceral, em que rimos da piada imediata, e um segundo momento em que percebemos a razão oculta que só se torna vísivel numa leitura mais profunda. Nada nem ninguém são poupados nesta análise satírica dos Pithon. E não se pense que só a religião é atacada, pois não é isso que acontece.

Toda uma série de momentos brilhantemente construídos vão revelando muito mais, quase sem nos apercebermos. O poder, a repressão, a historiografia, os géneros e as formas de subversão são apenas alguns dos alvos a desconstruir. E principalmente, o conceito de mito. Porque se há algum filme desmistificador, então só poderá ser este. Além disso, e apesar dos anos que nos separam da sua data de realização, toda a sátira feita poderá perfeitamente ser transposta para a realidade dos nossos dias. A capacidade de análise e humor inteligente dos Pithon revelam algo que não está assim tão distante de nós.

Ondskan

2008-07-03T10:56:00.002+01:00

“Ondskan” (aka “Evil” ou "Cruel") é baseado no bestseller autobiográfico do escritor/jornalista Jan Guillou. Um amargurado olhar sobre os códigos sociais, a violência e o crescimento realizado por Mikael Håfström.

A historia do filme Centra se em Erik Ponti (Andreas Wilson) um adolescente que usa os punhos na escola e em casa é espancado pelo seu padrasto, um jovem sueco de 16 anos que quando é expulso da escola, sua mãe envia-o para um colégio interno por mau comportamento, o filme segue a sua jornada no novo local de estudo e residência, expondo as suas tentativas de não voltar a entrar no ciclo de violência que fez com que fosse repreendido anteriormente. Embora consiga forjar alguns laços de confiança nesse novo meio com o ponderado colega de quarto Pierre Tanguy (Henrik Lundström) e com uma jovem e bela empregada Marja (Linda Zilliacus), Erik assume uma postura directa e frontal que cedo lhe garante uma série de antagonistas, sobretudo grande parte dos estudantes mais velhos que manipulam a rede de relações internas através da cultura da violência, originando um sistema baseado no medo e na repressão.

O filme sueco nomeado em 2004 para o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro apresenta o estudo de um carismático adolescente vítima de violência física e mental, que controla os seus impulsos violentos com resistência e submissão à dor. Andreas Wilson (modelo convertido em actor) executa um eficaz e penetrante retrato. Ele sustenta um fogo invisível e infernal.

“Ondskan” é um filme brutal, bem executado e é um inteligente olhar sobre a natureza da violência e suas repercussões é uma batalha metafórica contra a opressão fascista na Suécia de 1950. O profundo estudo de personalidade faz desta película uma obra poderosíssima, sustentada pela forma como Henrik Lundström retrata notavelmente a sociedade sueca de 50. A época (evocada inclusivamente através dos álbuns jazz de Charlie Parker) representa o pós-nazismo e a película revela as profundas tensões de uma sociedade cujas reminiscências nazis não foram completamente dissolvidas. Neste período histórico as expressões de individualismo eram suprimidas. Este prestigiante filme representa uma lufada de ar fresco das Mega produções de Hollywood.

Oldboy

2008-07-03T10:36:00.002+01:00

A historia de Oldboy começa quando Oh Dae-su (Min-sik Choi) é raptado e encerrado numa prisão particular, sem que lhe seja dada justificação alguma. Passa 15 anos enclausurado, sozinho, num quarto com casa de banho e um televisor que lhe permite ter contacto com as mudanças no mundo exterior. O quarto é impregnado regularmente por um gás soporífero, precedendo a intervenção dos captores, que assim limpam o local ou cortam-lhe o cabelo, sem que o prisioneiro troque quaisquer palavras com outros humanos. Depois da libertação, Dae-su concentra-se exclusivamente na vingança; em descobrir quem o prendeu e quais as suas razões. Mas a tarefa não é fácil; tem de se adaptar a uma realidade década e meia à sua frente e é suspeito de um homicídio cometido durante o cativeiro. Mi-do (Hye-jeong Kang), uma cozinheira de sushi de mãos frias vai ajudá-lo a procurar uma resposta para a pergunta que não lhe sai da mente: porquê? A resposta para todas as dúvidas parece residir em Woo-jin (Ji-tae Yu), astuto homem de negócios e residente da penthouse mais state-of-the-art alguma vez observada — no fim, descobrimos que Woo-jin não só foi o responsável pela captura de Dae-su, como também foi o manipulador supremo dos restantes protagonistas, num clímax de contornos devastadores.

As revelações que concluem Oldboy não escondem o aspecto mais trabalhado pelo realizador (Chan-wook Park), ou seja, o já referido espalhafato visual. Durante 120 minutos, somos brindados com todo o género de situações capazes de perturbar o mais empedernido dos espectadores: personagens a devorarem polvos vivos, mãos decepadas, dentes arrancados e até um intricado subplot sobre incesto. A contribuir, temos uma parafernália de técnicas (grandes angulares, planos expressionistas, slow e fast motions, etc.) que definem Oldboy como um dos filmes mais criativos de 2003.

Oldboy é um filme com um certo número de surpresas narrativas, chegou a Cannes sem que se registassem grandes expectativas nos relatórios de imprensa que antecipavam o festival. Nem os Cahiers do Cinema pareciam ter ouvido falar do seu realizador (Chan-wook Park) ou dos seus títulos anteriores,

Quentin Tarantino , presidente do júri do Festival de Cannes, já fazia uma ideia do que poderia esperar, por conhecer a obra de Chan-wook Park e por estar mais atento aos zunzums provenientes da Ásia do que a imprensa que costuma cobrir aquele evento.

Este não é um tipo de filme que gere consensos, devido à crueza e ao desejo por parte do realizador de não aligeirar as violentas consequências das acções nascidas de um desejo cego de vingança.

Há uma cena em Oldboy que ilustra, de forma pragmática, tudo o que o filme expressa: num longo plano-sequência, assistimos ao protagonista (Oh Dae-su) a desancar, com o auxílio de um martelo e das próprias mãos, um grupo de irados guardas prisionais, ao longo de um corredor imundo e mal iluminado — no fim, Dae-su sai triunfante, não obstante ter um punhal enterrado nas costas e dos "litros" de sangue derramados durante a luta, a composição formal desta sequência é, ao mesmo tempo, violenta, surreal, cómica e imprevisível.

Schindler's List

2008-07-02T09:36:00.002+01:00

Steven Spielberg foi o realizador desta obra soberba em que consegue mostrar que existe compaixao humana mesmo numa situação apocaliptica como retrata este filme A Lista de Schindler "Schindler's List".

Steven Spielberg é o que se chama de “realizador multifacetado” e resolveu pegar numa temática pesada e séria: o holocausto dos judeus como medida (“solução final”) da demente ideologia racista nazi, e retratá-la de forma diferente dos filmes que até à época tinham sido feitos. Tal proeza valeu-lhe o reconhecimento da academia de Hollywood que lhe “ofereceu” quase duas mãos cheias de “Óscares”.

A partir da obra premiada de Thomas Keneally, escrita em 1982, o argumentista Steven Zaillian criou uma história que consegue manter-nos atentos e motivados até ao final do filme, ou seja mais de 185 minutos. A Lista de Schindler conta-nos a história de Oskar Schindler (Liam Neeson), membro do partido nazi, um industrial, um especulador e apaixonado por mulheres, que resolve aproveitar a mão-de-obra barata dos judeus para a sua fábrica de alumínio e tentar fazer fortuna com a 2ª Guerra Mundial. Com a ajuda do honesto contabilista judeu Itzhak Stern (Ben Kingsley), consegue convencer alguns judeus do gueto de Cracóvia a aceitarem trabalhar para ele, pois só assim poderiam salvar-se das atrocidades cometidas pelos nazis. Entretanto Oskar tem de “contornar” a maldade do implacável Amon Goeth (Ralph Fiennes), oficial das SS (Secções de Segurança), que não hesita em matar ou mandar executar judeus pelos motivos mais ridículos, ou mesmo sem motivos. Goeth é possuidor de uma mente perversa e complexa que Oskar sabe bem explorar, subornando e sabendo servir-se da sua influência para salvar diversas vezes os judeus, devido a confusões de papelada e outros factores, dos campos de concentração ou câmaras de gás. Quando o dinheiro acabou, o negócio de Schindler faliu, no entanto ele acabou por salvar mais de mil judeus de morte certa e horrível durante o holocausto.

A mais-valia deste filme parece ser mesmo o facto de ter sido rodado com película a preto e branco, em que podemos ver o excelente trabalho do director de fotografia de Janusz Kaminski. As crueldades dos oficiais das SS contra os judeus do gueto, as mil e uma maneiras engenhosas com que os judeus usavam tentar salvar os seus bens e é claro, a própria vida, são-nos assim mostrados com um realismo que impressiona. De facto as muitas fotografias históricas que até hoje nos chegaram desta triste temática que mancha a negro a história da humanidade, são a preto e branco. Cada imagem do filme parece uma espécie de fotografia a três dimensões e a câmara que por vezes oscila a imagem dá-nos a sensação de interactividade, como se o realizador quisesse de facto por-nos a observar as coisas dentro do filme. Outro papel importante tem a inesquecível banda sonora “oscarizada” de John Williams.
A Lista de Schindler não é um filme a ver não só pela sua componente estética e fílmica, mas também pelo dinamismo do seu elenco no retratar do sofrimento de um povo e da podridão da ideologia nazi que fez milhões de vítimas.

Citizen Kane

2008-06-28T16:06:00.002+01:00

Citizen Kane foi a primeira longa-metragem de Orson Welles que marcou a sua estreia na sétima arte poucos anos depois do episódio de A Guerra dos Mundos. Esta polémica emissão radiofónica do então jovem Welles, inspirada no livro homónimo de H. G. Wells, causou ondas de pânico a milhares de norte-americanos convencidos de que o seu país estava a ser invadido por extraterrestres.

Realizado e protagonizado por Orson Welles, este é, sem dúvida, um dos filmes mais influentes e interessantes da história do cinema que, há 66 anos atrás, retratou um tema que continua sempre actual: a relação entre a política, a economia e o jornalismo. Um filme direccionado a todos os estudantes de comunicação e interessados na área.

O filme centra-se na história da vida de Charles Foster Kane (Orson Welles). De origem humilde, até ao dia em que a mãe herdou uma mina de ouro, Kane rapidamente edifica o seu império. Estabelece um controlo dos meios de comunicação social a graças à influência do seu jornal e da estação de rádio. Ingressa na vida política e candidata-se a governador, mas acaba por não satisfazer as suas ambições políticas. De feitio instável, torna-se violento com as mulheres que passam pela sua vida e acaba por morrer sozinho no seu enorme casarão. Os jornalistas que noticiam a sua morte dão início a uma meticulosa investigação com o intuito de descobrirem o significado de “Rosebud”, a última e enigmática palavra dita por Kane antes de morrer. Entrevistam toda a gente que o conheceu, expondo pormenores dos seus setenta anos de vida. Com isto podemos ver que afinal o sensacionalismo jornalístico não é prática recente

Orson Welles escreveu o argumento do filme com Herman J. Mankiewicz, tendo recebido um Óscar de Melhor Argumento na cerimónia de 1941. Apesar disso a obra cinematográfica de Welles só seria valorizada muitos anos depois. Recentemente, tal como aconteceu em 1998, o American Film Institute colocou Citizen Kane no primeiro lugar da lista dos "Cem melhores filmes de sempre".

Black Cat White Cat

2008-06-23T15:38:00.002+01:00

Numa comunidade cigana da ex-jugoslávia um homem decide jogar com o destino e arriscar tudo num negócio arriscado com um aldrabão mafioso, do qual sai obviamente a perder e cheio de dividas. Para as pagar aceita casar o seu filho com a irmã do tal indivíduo, mesmo quando o jovem está apaixonado por outra rapariga. Quem pensa que vai assistir a um doloroso e comovente romance está bem enganado... Black Cat White Cat (Gato Preto, Gato Branco) é uma miscelânea de personagens profundamente dementes e situações caricatas, inspiradas no velho slapstick americano e nas comédias italianas. Emir Kusturica, filma uma das mais bizarras comédias que alguém poderá ver. As personagens são deliciosamentes estranhas. Vivem na pobreza e na eterna complicação e são felizes.

Underground

2008-06-23T14:55:00.002+01:00

Underground conta a história de dois amigos na antiga Jugoslávia, durante a II guerra mundial, e que utilizam métodos pouco convencionais para sobreviver. Utilizam uma cave para esconder a família e alguns amigos e aproveitam para os pôr a fabricar armas. Quando a guerra acaba um deles mantém todos os outros a trabalhar e não lhes diz que a guerra já terminou. E assim, fechados numa cave, continuam durante 20 anos.

Este é daqueles filmes que, uma vez embrenhados na sua história, não interessa se dura 1 hora ou 3 horas e qualquer coisa (como é o caso). O mundo que Emir Kusturica constrói é ao mesmo tempo belo e tremendamente triste mas, como raramente acontece, esse contraste funciona e comove-nos. O realizador utiliza a comédia e o burlesco para nos contar situações de uma proporção trágica imensa e certamente sorrimos, mas não deixamos de ter o coração por dentro apertado.

É extraordinário reparar como Emir Kusturica sabe que não basta um belíssimo argumento, se não existirem actores capazes de lhe dar credibilidade. E no campo da direcção de actores, nada há a apontar. Muito pelo contrário, só temos de elogiar o trio de actores principais, Miki Manojlovic, Lazar Ristovski e Mirjana Jokovic.

Outro dos pontos altos do filme é a banda sonora. Não se limita a existir no fundo. É parte activa e partilha o ecrã com os actores, o que aumenta consideravelmente o papel que desempenha. Faz parte da vida do filme, acompanhando todas as pripécias que vão acontecendo, prevendo mesmo algumas delas.

Esta obra ganhou a palma de ouro em Cannes no ano de 1995 e consagrou um dos maiores realizadores europeus, pela densidade do filme, pelas suas metáforas e pelo seu humor único.

Donnie Darko

2008-06-23T14:43:00.002+01:00

Esquizofrénico como o seu protagonista, Donnie Darko fica-se entre um dos filmes mais inclassificáveis e notórios do século XXI. Realizado por Richard Kelly em 2001, que exibe aqui o seu forte talento por detrás das câmaras e no papel em retratar uma historia fora do comum no que se diga dos parâmetros do thriller paranormal ou no simples drama surreal que se deve muito ao cinema já criado por David Lynch. Donnie Darko é o nome de um jovem inadaptado no seu meio (Jake Gyllenhaal), que por milagre se safa da morte certa, com problemas emocionais e como já havia referido, esquizofrenia, Darko tem visões que o alertam do fim do mundo, dando-lhe uma contagem decrescente.

A intriga negra provem de um força narrativa lenta, obscura e sempre em sintonia com uma das bandas sonoras mais enigmáticas do seu tempo, no seu final ainda tem tempo de referenciar o neo-clássico de Paul Thomas Anderson, dando uma revisão às suas personagens enquanto evoca na banda sonora o single Mad World de Gary Jules, naquela que pode muito bem ser a melhor aparição de um momento musical num filme.

O elenco é encabeçado por Jake Gyllenhaal, o jovem actor é aqui uma aposta inicialmente arriscada, mas ganha conseguindo preencher os requisitos da sua personagem, Donnie Darko, segundo o cabimento da história em si, não conseguimos imaginar um Darko melhor que ele, e só para saberem este filme de Richard Kelly foi o seu veículo para uma afirmação mais acentuada no competitivo mundo cinematográfico. A maior parte do elenco conjuntivo é composto por jovens estrelas, algumas delas ainda longe do brilho de hoje, é no caso de Seth Rogen, com um pequeno e pouco destacado papel. A grande surpresa reside em Drew Barrymore, na melhor interpretação de sempre da sua carreira e com um carisma especial e o celebre actor Patrick Swayze que aqui encontra um forte motivo para abraçar o puro cinema em si.

Fantasmagórico, mas antevendo brilhantismo a um provável futuro autor. Donnie Darko poderá deixar de fora os mal-habituados com as fórmulas preguiçosas do género que se auto-titula, mas surpreenderá quem o encontrar a sua cerebração numa complexidade narrativa em todos os níveis. Sempre recheado com grandes momentos de puro cinema, Donnie Darko é arte cinematográfica de escuro calibre.

The Shining

2008-06-22T16:53:00.002+01:00

Qualquer filme de Stanley Kubrick é um regalo de se ver, pois a forma como ele movia a câmara em busca do melhor panorama, o modo como ele jogava com os movimentos, quase teatrais, das suas personagens, sempre em perfeita sintonia com as magnificas bandas sonoras, escolhidas a dedo para cada cena, foram sempre uma marca em cada um dos seus filmes, Shining que foi realizado em 1980 é considerado o filme de terror de Stanley Kubrick.

A história de Shining não é perfeita, mas Stanley Kubrick, Jack Nicholson e Danny Lloyd são e fazem com que os 115 minutos sejam capazes de voarem entre um abrir e fechar de olhos. Porém, tal capacidade não advém do medo que o filme nos tenta pregar, nem dos sustos que nem esboça tentar. Os seus méritos ultrapassam isto, acentuando-se num contínuo suspense capaz de deixar qualquer um pregado ao ecrã.

Este clima de suspense imposto, deve-se sobretudo ao pequeno Danny Torrance (Danny Lloyd), uma criança desorientada e sozinha que tem um terrível dom (shining) de ver coisas do passado e do futuro. Assim, Danny é o primeiro envolvido por um ambiente surrealista em que fantasmas do passado tentam a repetição de uma história dramática onde um pai desesperado pela solidão e fracasso tenta matar a sua familia. Nesse papel, Jack Nicholson é excelente, ele interpreta Jack Torrance (pai de Danny) como se dele próprio se tratasse, expressando com um realismo que se tornou clássico, a personagem de um psicopata maluco, capaz das maiores atrocidades.

Shining é uma obra digna do mestre Kubrick, que mesmo exagerando em algum teor sobrenatural, conseguiu pela beleza dos movimentos da câmara pela, consistência das suas interpretaçõese e pelo terror quase sem mortes e sangue que conseguiu implementar, ficar na história do cinema, marcando como referência muitos dos títulos do género que depois lhe sucederam.

Apocalypse Now

2008-06-22T16:33:00.002+01:00

“You smell that? Do you smell that? Napalm, son. Nothing else in the world smells like that. I love the smell of napalm in the morning. You know, one time we had a hill bombed, for twelve hours. When it was all over I walked up. We didn’t find one of ‘em, not one stinkin’ dink body. The smell, you know that gasoline smell, the whole hill. Smelled like… victory.”(Robert Duvall)

Apocalypse Now (1979) é um dos grandes filmes de Francis Ford Coppola. John Milius e Coppola inspiraram-se para escrever o argumento deste filme na obra de Conrad (Heart of Darkness), mas o produto final é algo diferente do livro. As ideias mantêm-se, mas o cenário e as personagens mudam.
Marlon Brando, Martin Sheen e Robert Duvall efectuam interpretações excelentes e inesquecíveis que marcaram profundamente o filme, tendo Duvall sido nomeado para o Oscar de melhor Actor Secundário. Ainda na academia o filme ganhou o Oscar para melhor Cinematografia e melhor Som. Tendo sido nomeado para mais alguns Óscar.

A história desenrola-se durante a Guerra do Vietname, e é sobre uma perigosa missão levada a cabo pelo Capitão Willard, que tem como intuito assassinar o Colonel Kurtz (um Boina Verde renegado que se auto-denominou um Deus entre a tribo que o acolhe) no Cambodja.

Apocalypse Now é ainda o maior espectáculo sobre a monstruosidade jamais feito. É Ópera e Shakespere ao mesmo tempo. Não é um filme sobre o Vietname, é o Vietname ele próprio. É um filme de culto que acarreta consigo uma forte ressonância da cultura pop americana. Porque o horror e a selvajaria não se limitam ao pantâno mas à própria nação do criador. É a beleza e a perversidade, é o surrealismo e a autenticidade. É a insanidade de uma guerra espelhada na loucura de um homem. É o transformar de Willard (Martin Sheen) em Kurtz (Marlon Brando), de homem são até à imagem da própria presa. É o grito de um utopista e de uma era.

Trainspotting

2008-06-21T18:18:00.003+01:00

Baseado no livro escândalo de Irvine Welsh, Trainspotting é um retrato de uma juventude escocesa, perdida no crime, na droga, na doença e na violência, mas com um toque de humor negro que faz toda a diferença para a necessária identificação com os personagens. Filme culto dos anos 90, Trainspotting é a prova da vitalidade do cinema europeu dessa altura, assim como a afirmação do talento de Danny Boyle.

Trainspotting conta a história de um grupo de viciados em heroína e suas vidas, é um filme recheado de uma galeria de figurões extremamente coloridos e divertidos. Eles são, o protagonista Mark Renton (Ewan McGregor), com a sua filosofia de escolher cavalo em vez de escolher a vida. Simon “Sick Boy” (Jonny Lee Miller) o grande teórico de Sean Connery e engatão incorrigível. Spud (Ewen Bremner), o drogado de bom coração com uma grande apetência para defecar em camas estranhas e para se encher de speeds nas entrevistas de emprego. E finalmente o psicótico e paranóico “Franco” Begbie (Robert Carlyle), perigoso, irrascível e sempre na vertigem da violência. Todos os actores, estão à altura dos papéis, conseguindo dar o toque humano essencial, na composição destas bizarras personagens. Outro ponto fortíssimo, é a adaptação que o argumentista John Hodge fez do livro de Welsh. Hodge combina personagens e situações do livro, mantendo-se sempre fiel ao espírito da obra original. É de salientar que o livro tinha uma estrutura não linear algo complexa, que Hodge escolheu contar de forma mais tradicional e eficaz.

A Clockwork Orange

2008-06-21T17:58:00.002+01:00

A Clockwork Orange (Laranja Mecânica) é uma das maiores obras primas jamais feitas no cinema, realizado por um dos maiores genios que existiu Stanley Kubrick.

O filme é uma reflexão sobre a sociedade moderna e a corrupção e violência nela existentes. Baseado no livro de Anthony Burguess, na altura da estreia em cinema, foi considerado ultra-violento, perturbador e chocante. E de facto, é um filme violento para 1970 mas que na actualidade não tem esse impacto de ultra-violência. Continua no entanto, completamente actualizado no que diz respeito à temática abordada.

A história do filme A Clockwork Orange gira em torno de Alex(Malcolm McDowell), um jovem perturbado e genuinamente mau, cujos únicos interesses na vida são sexo, ultra-violência e …a música de Beethoven. Juntamente com o seu gang (ou segundo Alex, os seus compinchas), todas as noites, percorrem as ruas de uma Londres futurista para espalhar a violência e o caos por onde passam. Numa dessas incursões nocturnas, após ter violado uma rapariga, Alex é preso e submetido a uma terapia revolucionária que defende que Alex poderá ser curado, criando nele um sentimento de aversão à violência. Mas esta terapia tem os seus limites e falhas e terá obviamente as suas consequências…

Tudo em Laranja Mecânica é perfeito. Visualmente é arrebatador. A realização de Kubrick (como sempre) é sublime e cada cena é magistralmente filmada. O argumento é bastante inteligente, criando uma narrativa cativante e as interpretações são soberbas, nomeadamente a de Malcolm McDowell, que é simplesmente genial na concepção de Alex. É uma interpretação sem dúvida merecedora de Óscar. A título de exemplo, na cena inicial, em que a câmara se vai aproximando de Alex, o actor consegue transmitir a personificação do mal, apenas através da expressão facial...Brilhante!

Táxi Driver

2008-06-21T17:42:00.005+01:00

Táxi Driver é um clássico drama urbano, intemporal, e apaixonante, realizado por Martin Scorsese que eu considero o seu melhor filme.

Neste grandioso filme Robert De Niro tem um desempenho fenomenal na criação de um homem solitário irritado com uma sociedade cheia de miséria e desilusão. O encontro com uma prostituta de apenas 12 anos de idade (Jodie Foster) irá ser o cataclismo que fará o copo transbordar e levar à descarga da revolta interior de Bickle sob a forma de violência. No fundo, trata-se de um retrato de uma América dos anos 70, onde muitos dos ex-combatentes do Vietname, sentindo-se marginalizados ou inadequados na sociedade, poderiam eventualmente descarregar a agressividade captada em ambiente de guerra e de alguma forma, libertar os seus fantasmas e demónios interiores.

Táxi Driver narra a odisseia de um homem alienado da sociedade, perdido e obcecado por transformar o mundo em que vive, tornando-o melhor, onde Travis Bickle (Robert De Niro) é um jovem veterano do Vietname, que trabalha nas ruas de Nova York como motorista de táxi. Conhecendo bem todos os podres das vielas da cidade, cruza o seu caminho com o das jovens Betsy (Cybill Shepherd) e Iris (Jodie Foster), uma prostituta de apenas 12 anos, o que provoca a uma grande revolta contra tudo e todos, extravasando toda a sua agressividade contida…

Táxi Driver é um filme em que não se encontram pontos negativos. È um verdadeira obra-prima dos anos 70 e seguramente um dos melhores filmes da década. Nomeado para quatro estatuetas dos Óscares de Hollywood, Melhor Actor –Robert De Niro, Melhor actriz Secundária – Jodie Foster, Melhor Música e Melhor Fotografia, não venceu, apesar de tudo, em nenhuma das quatro categorias. Venceu, isso sim, a palma de ouro do festival de Cannes, o que de certa forma premiou o reconhecimento europeu de um realizador em ascensão, que actualmente é uma referência e um dos dinossauros da sétima arte.

Il Postino

2008-06-19T23:09:00.003+01:00

Realizado por Michael Radford, o Carteiro de Pablo Neruda é uma daquelas pérolas do cinema que nos fazem sorrir que nos emocionam e é um filme que ficara sempre na memoria de todas as pessoas que o viram. Num tom lírico este filme mostra-nos a amizade que se criou entre o poeta chileno e o seu carteiro e o enamoramento deste ultimo pela bela Beatrice Russo (Maria Grazia Cucinotta).Este é o retracto delicioso e inesquecível da busca de amor, felicidade de um homem. Recheado de momentos hilariantes, proporcionados principalmente por Massimo Troisi, que tem um papel encantador e muito rico. O filme é ainda uma ode à poesia, às metáforas, ao amor.O actor e argumentista Massimo Troisi morreu de ataque cardíaco apenas 12 horas após a conclusão das filmagens deste filme. Apesar de saber que era doente cardíaco e que necessitava de tratamento e descanso, persistiu na sua ideia de terminar esta personagem. Está então de parabéns pois deixa um enorme carinho, pela sua simples mas grandiosa personagem cativante.Este filme foi vencedor do Óscar de melhor Banda Sonora e ainda foi nomeado para Melhor filme, Melhor Realizador, Melhor Actor (Massimo Troisi) e melhor Roteiro Adaptado.

Por razões políticas o poeta Pablo Neruda (Philippe Noiret) é obrigado a procurar exílio numa ilha em Itália. Neruda é amado pelo povo pelas suas crenças comunistas e pelas mulheres pelos seus poemas de amor. Mario é filho de um pescador e está desempregado. Ele tem muitas dificuldades a ler e escrever, mas mesmo assim consegue ser contratado como carteiro, tendo como privilégio ser o encarregado da correspondência do poeta.

Nuovo cinema Paradiso

2008-06-19T10:55:00.004+01:00

Este filme é um dos melhores filmes alguma vez feitos realizado por um dos melhores realizadores do cinema italiano e do mundo Giuseppe Tornatore, que com esta obra aclamada e aplaudida de 1989, seja acima de tudo um autêntico elogio ao amor, à amizade, à juventude, à vida e ao cinema. É um filme muito especial, pois de uma forma poética consegue mostrar a magia que o cinema transmite a todos os seus amantes. Em 1989 alcançou o Prémio da Crítica em Cannes e no ano a seguir conseguiu vencer o Óscar para Melhor Filme Estrangeiro.

Cinema Paraíso tem um encanto especial e a escolha para a direcção musical, não podia ser melhor, pois esteve ao cargo do senhor Ennio Morricone. As músicas escolhidas para cada cena realçam os sentimentos presentes na mesma, tornando-se assim um filme emocionalmente inesquecível.

O filme começa quando o realizador Salvatore Di Vita (Jacques Perrin) realizador de sucesso em Roma, que numa noite recebe a notícia que o seu amigo Alfredo (Philippe Noiret) morreu. É nesta altura que Salvatore se relembra de tudo o que pensava que podia ter esquecido. Relembra os seus tempos de infância, vividos numa cidade pequena da Sícilia, assombrada pela pós-guerra e pela imagem do pai que nunca voltou da guerra. Estes eram tempos difíceis, reinavam a fome, a pobreza, a censura e o cinema era o espaço onde as populações podiam sonhar e por breves momentos serem felizes. As cenas passadas nos cinemas retratam as situações mais caricatas: o início dos namoros, as partidas das crianças, a corrida destas mesmas para a primeira fila frente ao ecrã, negócios obscuros, inclusive cenas de sexo.Salvatore relembra-se enquanto Toto e o seu amigo Alfredo, o projeccionista da sua cidade que lhe mostrou os segredos do cinema e das projecções e assim estimulou-lhe a grande paixão pelo cinema.